Gryphon "Live - A Sonic Tonic"

 

Después de más de 50 años en la vanguardia del folk-prog-rock medieval, Gryphon ha publicado un doble álbum en directo que refleja su historia.

Para los que no estén familiarizados con el género o con el grupo, a las guitarras, la batería y el bajo se une toda una serie de instrumentos, que van desde dos tipos de corno (soprano y bajo), fagot y una selección más amplia, que incluye flauta, pífano, saxofones, además del violín y los teclados más habituales. La lista incluye un total de 19 instrumentos. Además, 4 de los 6 miembros contribuyen con voces.

Los miembros combinan virtuosismo instrumental en todos los departamentos, cierto grado de sensibilidad rockera y melodías de baile renacentistas y medievales, todo ello aderezado con elementos folk (esta mezcla se ve apuntalada por tres miembros compartidos con los poderosos Home Service, dos de los cuales también colaboran en el proyecto Bold Reynold junto con su compañero de banda, el multiinstrumentista Brian Gulland, que intercambia tareas con el igualmente poli-instrumental Andy Findon, así como lazos históricos con The Albion Band en sus diversas formas).

El resultado es algo que podría describirse como la quintaesencia de la música inglesa en sus dos formas - musical y lírica, incorporando 500 años de estilos musicales. Desde el primer tema, la atención no se pierde, con variaciones instrumentales y cambios de compás. Si quieres un riff de rock, algo de jazz libre, una visita a la corte del rey Tudor, un toque de Genesis, una pizca de Hawkwind, un guiño a los Bonzos o un tufillo a Stackridge, nunca tendrás que esperar mucho para nada de lo anterior, aunque todo ello entretejido en un todo que es esencialmente Gryphon. Cambiando sin cesar, sorprendiendo sin cesar y entreteniendo sin cesar, nos llevan desde Kemp's Jig de su primer álbum, hasta el supuesto cierre de Parting Shot, aunque esta inclusión de la última canción de su último álbum de estudio es seguida por el inevitable bis, ya que después de haber acumulado una cabeza de vapor, Estampie deja al público con un resorte en su paso mientras dejan una celebración tanto de la longevidad como de la invención.

Entre medias, hay delicadeza, capricho, lírico y musical, y una buena dosis de humor, en los temas, en las bromas musicales e incluso en los títulos de las canciones: no olvidemos «La breve historia de un fagot», en la que se traza el curso del instrumento desde su nacimiento de madera, pasando por la adolescencia, hasta alcanzar una tonalidad madura. El libreto incluido ofrece una visión útil, informativa y, sí, divertida, de los orígenes e intenciones de los temas, desde los anónimos, pasando por los tradicionales, hasta las composiciones de la banda por miembros actuales y pasados.

Para aquellos familiarizados con el grupo, no se trata de grandes éxitos, ya que cada uno tendrá sus propias ideas sobre qué más se podría haber incluido, especialmente de su apogeo a principios y mediados de los setenta. Para cualquiera que conozca al grupo por primera vez, sirve como una representación justa de lo que han ofrecido los últimos 50 años y una invitación a profundizar en esa historia.

Se ganan puntos extra por el envoltorio: una preciosa portada que fusiona el estilo prog de los 70 con la iteración actual, además de notas útiles e informativas en el libreto.

Músicos:

ANDY FINDON: Flauta, Piccolo, Crumhornm soprano, Saxofón soprano, Clarinete, (Sweetheart) Fife

BRIAN GULLAND: Fagot, Saxo Soprano, Flautas dulces, Crumhorn bajo, Melódica, Teclados, Voz

ROB LEVY: Bajo

DAVE OBERLE: Batería, Percusión, Voz

CLARE TAYLOR: Violín, Teclados, Voz

GRAEME TAYLOR: Guitarras acústicas y eléctricas, Voz

Temas:

CD 1: 1. Kemp's Jig / 2. The Astrologer / 3. Dumbe Dum Chit / 4. A Bit of Music By Me / 5. The Brief History of a Bassoon / 6. Norman Wisdom From The Swamp / 7. Sailor V / 8. Reduced Krum Dancing

CD 2: 1. Hospitality at a Price / 2. Christina's Song / 3. Fourth Sahara / 4. The Unquiet Grave / 5. Haddocks' Eyes / 6. The Red Queen Muddle / 7. Parting Shot / 8. Estampie

Grabado casi en su totalidad en el Junction, Cambridge, el 28 de noviembre de 2023

Para comprarlo: Talking Elephant

Electric Eye "Dyp Tid"

 

El quinto álbum de la banda noruega de psych-rock Electric Eye es el más ambicioso y experimental hasta la fecha. La fecha de lanzamiento es el 15 de noviembre de 2024. Se publicará en vinilo amarillo y arena de 180 g, limitado a 350 copias numeradas a mano. También estará disponible en vinilo de color arena de 140 g con una funda interior impresa y un código de descarga. 

Dyp Tid, que es el nombre del disco, es una contemplación de lo desconocido y lo inefable. Creado en un paisaje donde el tiempo y el espacio se colapsan, el disco es el proyecto más ambicioso y experimental de Electric Eye hasta la fecha. Encargado originalmente por Sildajazz -el Festival Internacional de Jazz de Haugesund- y estrenado allí en 2022, «Dyp Tid» (en noruego, «Tiempo profundo») es tanto un viaje meditativo como una exploración de lo que significa existir en un universo donde el tiempo se extiende mucho más allá del alcance de la humanidad.

Presentadas por primera vez en directo en Skåre Kirke, una iglesia octogonal de madera construida en 1858 en Haugesund (Noruega), las seis composiciones atmosféricas se centran en órganos de iglesia, sintetizadores y voces corales por encima de cualquier instrumentación tradicional de rock. Dyp Tid no es sólo un álbum, sino un espacio, un paisaje mental en el que se entrecruzan el sonido y el tiempo. Hablando del álbum, Øystein Braut, de Electric Eye, dice: «Siempre nos hemos sentido atraídos por lo cinematográfico, por la sensación de que algo se siente más grande que la vida, y en Dyp Tid tejimos estos elementos juntos en algo a la vez profundamente personal y absolutamente elusivo».

Instalados en el Duper Studio de Bergen, el espacio de grabación se convirtió en un laboratorio para seguir desarrollando estas nuevas ideas y transformar la pieza «Dyp Tid» en un álbum de estudio en toda regla: «Nos adentramos en la tecnología analógica, exploramos máquinas antiguas y experimentamos con lo que estaba al límite de nuestro control. Buscábamos el sonido de las profundidades del tiempo, algo que se sintiera infinito e incontrolable. En una época en la que todo parece algorítmico y predecible, nos propusimos crear algo que se negara a encajonarse, algo que viviera y respirara según sus propias reglas. El álbum entrelaza intrincadamente grabaciones en directo de la iglesia de madera y sesiones de estudio, oscilando a menudo entre ambas en el transcurso de una misma pista».

Temas:

1.Pendelen Svinger

2.Octagon

3.Den Første Lysstråle

4.Clock Of The Long Now

5.Mycelium 14:37

6.Hvit Lotus

En su página se puede encargar el disco y escuchar el tema Mycelium.

Gracious Pond (II)

 

De los numerosos proyectos paralelos de los suecos de The Spacious Mind, tal vez Gracious Pond sea el más desconocido y a la vez distinto al resto. 

Más cercano a la música "ambient" o a la electrónica de los primeros Tangerine Dream, Gracious Pond eran Jens Unosson y Henrik Oja creando un disco totalmente instrumental alejándose de la psicodelia de The Spacious Mind, etc, y creando música "ambiental" basada en sonidos obtenidos fundamentalmente con sintetizadores. 

Sólo editaron una cassette en el año 1994, The Wizards of Pond, compuesta por ocho piezas que en total duran casi una hora. 

Como el resto de proyectos paralelos de estos músicos, es un experimento musical, esta vez a base de texturas y sonidos desarrollados fundamentalmente con teclados.

Gracious Pond - The Wizards of Pond:

01 Prologue - Garden of Pond            04:10

02 Circles of Morning Dew               10:10

03 Star                                 15:18

04 The Wind We Used To Smoke            03:51

05 Growling Things Under Sun            08:54

06 Dawn Comes to Hippy Head             07:17

07 Pulsating Dream of Blonde            05:29

08 Epilogue - Wizards of pond to anothe 03:57

Lea Nicholson "The Concertina Record"

Lea Nicholson, cantante y concertista británico, actuó en discos de folk del Reino Unido entre los años 1960 y 1990.

En la década de 1970, Lea Nicholson fue cantante y concertista en clubes folk del sur de Inglaterra. En los últimos años, Nicholson se ha dedicado a la producción discográfica como ingeniero de estudio.

The Concertina Record se publicó originalmente en 1980 en Kicking Mule Records (KM311). 

La intención era hacer un álbum con la concertina inglesa en una variedad de escenarios musicales diferentes. A grandes rasgos, la primera cara tiene un carácter bastante ligero, mientras que el Concierto de Brandemburgo, que ocupa la mayor parte de la segunda cara, explora el potencial de la concertina en un ámbito musical con el que normalmente no se asocia aunque para muchos seguidores de Mike Oldfield este disco es conocido por la colaboración que hizo en el tema Kopya.

A principios de la década de 1970, tras la publicación de su álbum «Horsemusic», Lea Nicholson se

había consolidado en la escena de la música folk británica. Era cantante y concertista, pero experimentaba fuera de los géneros habitualmente asociados a su instrumento. The Concertina Record contiene ocho selecciones que llevan a la concertina inglesa a lugares en los que no había estado antes, y normalmente accede a acompañarla tranquilamente. Fue grabado a lo largo de cinco años, a finales de la década de 1970, con la ayuda de gente como Robin Dransfield, Russ Ballard, Mike Oldfield y Rod Argent.

El disco se abre con «The Liberty Bell», conocida por muchos como el tema principal de la serie de los Monty Python (y la versión de Nicholson se utilizó en uno de sus especiales más recientes). La ya mencionada «Kopya» es una melodía de baile yugoslava, hay un popurrí de piezas de Glenn Miller, una melodía escocesa «Lea Rigs» y un himno «All Creatures of Our God and King». Un arreglo del «4º Concierto de Brandemburgo» de Bach, tocado casi enteramente con concertinas, empezó como una apuesta de borrachos. Por lo general, es mejor olvidar estos temas, pero no esta vez. Se trata de un golpe maestro. A través de la variedad y la naturaleza estrafalaria de algunas de las piezas, a veces uno se olvida de la considerable habilidad de Nicholson con la concertina. The Concertina Record no es una simple novedad, sino un intento honesto de ampliar el potencial del instrumento.

Octopie (II)

 

Cuentan estos finlandeses de Helsinki que los inicios de la banda se originaron en 2010, cuando dos amigos hablaban de música y se dieron cuenta de que en esta época fría, moderna, todavía hay sitio para auténtico rock progresivo que sale del alma. 

Desarrollaron la idea y empezaron a componer material con mucha influencia del progresivo de los setenta y la psicodelia de los sesenta, a lo que añadieron su toque personal y actual. 

Reunieron una banda hasta que se consolidó entre 2011 y 2012. Empezaron a grabar su primer disco, "Fresh from the Oven" que fue publicado en 2012. 

Empezaron a tocar en locales de Helsinki con una respuesta bastante positiva que les animó a continuar. La influencia más patente en este primer trabajo es Pink Floyd y lo más destacable es la interpretación de su guitarrista y su teclista, de alto nivel ambos, bien acompañados por una sección rítmica sólida y un buen cantante. 

En 2012-2013 quisieron ir más allá para lo que fundaron su base de operaciones en los bosques de Kuninkaanmäki donde empezaron a escribir material para su siguiente trabajo. De aquí salió un ep, llamado como el grupo, Octopie. 

Después de esto comenzaron a escribir un nuevo disco, esta vez conceptual, una especie de rock ópera, que se llamaría The Adventure of Harry and Walrus Kane, y que les llevó dos años finalizarlo, tiempo en el que fundaron su estudio y una compañía de producción musical llamada Khatru Music, a través de la que publicaron su disco, en 2015. En su página puede escucharse su música y adquirirla: Octopie

Músicos:

Fresh from the Oven:

Jere Lehtomaa - guitarras

Visa Kivisaari -batería

Lassi Nurminen -bajo

Tom Tamlander - voz

Axel Thesleff -teclados

The Adventure of Harry and Walrus Kane:

Tom Tamlander - voz, bajo, flauta

Visa Kivisaari - batería, voz

Jere Lehtomaa - guitarras, voz

Axel Thesleff - teclados, voz

Tommi Jalo - trompeta

Sauli Heino - trompeta

Heikki Vesala - trombón

Henri Pitkänen - saxos

Antti Poutanen - cello

Petrus Laitinmäki - violín, viola

Dubbelorganisterna

 

Las últimas grabaciones inéditas del legendario y mundialmente conocido organista psicodélico sueco Bo Hansson antes de fallecer se recogen en el "Volym 1" publicado por Subliminal Sounds en mayo. (Jimi Hendrix era un fan y grabó su canción «Tax Free»). 

El legendario organista psicodélico sueco Bo Hansson junto con su animado estudiante de órgano y extraordinario teclista; Eric Malmberg, a los que se une el batería Niklas Korssell, creando un jazz espacial hipnotizador y etéreo. 

La música parece contener información sobre una perspectiva profunda que cuestiona tanto el tiempo como el espacio y reconoce el universo desplegando su abstracto proceso de creación.

Sólo se hizo una tirada de 600 vinilos, todos distintos entre sí, aunque podría estar agotada.

Los temas del disco son:

1.Mot Saturnus 07:40

2.Evergreen 03:31

3.Space 05:32

4.Bosses orgelslinga 04:19

5.Tom Bombadill 08:35

6.Hubble 05:04

7.Längs in i parken 02:52

8.Slut för idag tack för idag 02:48

Aquí se pueden escuchar:

Dubbelorganisterna - Volym 1

Octopus Ride

 Octopus Ride es una banda con sede en Malmö, Suecia. Formado originalmente como Eskimo Chain en 1999, el grupo pasó de imitadores de Syd Barrett, pasando por septeto de art rock, a inventores del «post-punk psicodélico» (2002) y, cuando incorporaron a miembros de VED (2007-2009), del «mantra rock». Hasta hoy, han seguido formándose con distintas formaciones.

El sonido de los grillos, la vibración de los juguetes sexuales, las voces de Donald Sutherland y Sean Penn, y un conjunto de instrumentos exóticos se unen de forma hechizante en el debut homónimo de Octopus Ride, publicado en Rev/Vega en 2013. 

El tardío segundo álbum se publicó en Sound Effect Records (Grecia) en 2021. Músicos destacados: Karl Alm, Christian Ekvall, Henrik Kyhlberg, Johannes Måbrink y Unni Zimmerdahl. Invitados: Robert Karlsson, Björn Eriksson y Jenny Wilson. 

Cauldron (II)

 Cauldron es otra de las ramificaciones de las bandas suecas Spacious Mind y Holy River Family Band. 

Es un dúo formado por Jens Unosson, que estuvo en las dos bandas y Arne Jonasson, de HRFB. 

En el único disco que publicaron, The Sanctuary Suite (1998), el primero se encargaba del órgano, sintetizadores, trompeta y campanas mientras que Jonasson tocaba guitarras, bajo, sitar, violín de teclas, órgano, saxo, harmónica, tablas y percusión. 

El disco está compuesto por cuatro largos temas instrumentales de psicodelia, con muchas reminiscencias de Pink Floyd pero también de la música india. Los cuatro temas están construídos a partir de bocetos que los músicos habían esbozado anteriormente, dos de cada uno.

El disco fue grabado entre abril y julio de 1998 en el estudio Spiff, al igual que otros trabajos del entorno Spacious Mind, y publicado en el sello sueco Garage Land Records.

Cauldron - The Sanctuary Suite:

1     The Sea / The Road     21:07

2     The Cathedral     11:39

3     The City     7:21

4     The East / The Dream / The Bliss     20:31

Pan (II)

 Lo primero que llama la atención de este grupo danés es que el primer tema de su único disco, Pan, tiene título y letras en francés. 

Pan fueron un grupo de psicodelia, rock, blues, progresivo, formado en 1969 por el primer guitarrista y cantante del grupo de folk Cy, Maia & Robert, Robert Lelievre. Este estaba viajando por Europa para evitar hacer el servicio militar y recaló en Dinamarca. A él se unieron en un principio Thomas Puggaard-Müller, Henning Verner, Arne Würgler y Michael Puggaard-Müller. Los hermanos Puggaard-Müller  provenían del grupo de blues Delta Blues Band. 

En 1970 publicaron su primer disco y único, Pan, aunque la banda duraría poco porque la convivencia con Lelievre (tenía problemas psicológicos) era complicada y se suicidaría en 1973, supuestamente contrariado con la industria musical y frustrado con el poco éxito obtenido en su carrera, fracaso que llevó a la banda a su disolución pocos meses después de la publicación del disco. 

Robert Lelievre intentó hacer carrera en solitario pero Sonet dejó un disco completo en 1971 sin publicar. Fue programado para lanzar al mercado en las series dobles de Sonet en 1980, junto al disco de Pan, pero dadas las bajas ventas se desestimó su lanzamiento. 

Ciertamente la carrera de Lelievre estuvo sembrada de fracasos, a pesar de su calidad como músico. Después de su disco de 1968 con Iain Campbell, había acabado un trabajo (ayudado por Brian Auger y John McLaughlin, entre otros) para el sello de Giorgio Gomelsky Marmalade. Por razones desconocidas nunca fue publicado. 

Con Cy, Maia & Robert tampoco tuvo mucho éxito y Pan y su carrera en solitario no llegaron a buen puerto. 

En una segunda reencarnación del grupo estarían en él Jens Elbøl, Torben Enghoff y Nils Tuxen, algunos de los cuales todavía tocan en directo en distintas bandas como Troels Jensen & Kenn Lending Blues Band, Somanden Og Stjernerne y Survivors. 

El disco fue publicado por Sonet en 1970 y ha sido reeditado en diversas ocasiones posteriormente y en distintos paises ya que rápidamente se convirtió en un disco de culto por la calidad del mismo y la historia fugaz de la banda. 

En 2004 se editó Pan On The Air - Dr Sessions 1970, grabaciones en un estudio de radio con muy buen sonido y en versiones bastante distintas de las originales.. Ambos discos son fiel reflejo de la calidad de sus músicos y del eclecticismo que incorporaron a sus composiciones.

Phil Collins & Flaming Youth "The European Broadcasts 1970"

 

El único álbum de Flaming Youth, Ark 2, de 1969, supuso la primera aparición en disco del futuro batería (y más tarde líder) de Genesis, Phil Collins. 

Este álbum conceptual, inspirado en el alunizaje de 1969, no lanzó al grupo a la fama, pero inició la cuenta atrás para el gran salto de Collins a Genesis en el verano de 1970. Antes de eso, sin embargo, no fue el único hombre en la sala de máquinas de Flaming Youth, cuyo programa de giras les llevó a Europa en más de una ocasión antes de que el grupo se disolviera, dando lugar a algunas de las primeras actuaciones en directo de Collins que se conocen.

Con temas destacados de Ark 2 como Earthglow, Weightless y Space Child, además de una épica interpretación de selecciones de la suite de Los Planetas de Gustav Holst, estas actuaciones, grabadas para su retransmisión por los emblemáticos canales de televisión ORTF, en París, Francia; TROS en Hilversum, Países Bajos; y WDR en Colonia, Alemania, señalan el camino hacia la música que pronto grabaría Collins con Genesis, llenando un importante vacío en la historia del prog-rock británico.

El disco, de edición no oficial, pone en primer lugar el nombre de Phil Collins para que tenga una mayor salida en el mercado y tiene como inconveniente que en algunas grabaciones se oye encima de la música al presentador de turno.

1. Guide Me Orion

2. Earthglow

3. Weightless

4. The Planets

5. Earthglow

6. Weightless

7. Changes

8. Space Child

9. From Now On

10. Earthglow

11. Guide Me Orion

12. Weightless

13. The Planets

14. Changes

15. The Planets

16. In the Light of Love

17. Pulsar

18. The Planets

19. Weightless

Gordon Smith - guitarra, bajo, voz

Ronnie Caryl - guitarra, bajo, voz

Brian Chatton - teclados, voz

Phil Collins - batería, voz

Brotherhood Of Eternal Love (II)

The Brotherhood Of Eternal Love comenzó a existir (como una entidad, no de nombre) a finales del verano de 1998 cuando Jens Unosson, Niklas Wiklund y Arne Jonasson decidieron ofrecer gratis un espectáculo musical itinerante para escuelas locales, restaurantes, conferencias, espectáculos y otros, en su país natal, Suecia. 

Financiados con dinero público, el espectáculo fue llamado Den Ambulerande Ljudskulpturen (la escultura de sonido ambulante), y tuvo seis meses de existencia. 

Dos de ellos fueron dedicados a actuaciones en las que se construía una fuerte comunión musical y entendimiento entre los músicos, y en los otros cuatro se dieron a la improvisación en unas dieciseis actuaciones. 

Lo llamativo es que la mayoría de los espectáculos tuvieron lugar frente a niños de entre seis y doce años, que parecía ser una audiencia demasiado joven para su abstracta música pero resultó ser un público muy agradecido. 

Normalmente sus actuaciones eran más densas y avant-garde de lo que parecería normal para una audiencia tan joven. 

Sólo dos actuaciones fueron ofrecidas en un salón de conciertos al uso aunque pronto se convertirían en rituales esotéricos de medianoche. 

Llamados "The Drone-Ah-Bone Far-Out Show" y "God Is Alive And Well In A Sugarcube" (un tercero, "No Bone In The Drone", fue cancelado), se convirtieron en actuaciones ininterrumpidas de más de dos horas cada una. 

Green Morning Baby, la única pieza publicada, no es una actuación en sí sino una experimentación de lo que podían hacer con los avances técnicos del estudio. Aunque hay muchas capas instrumentales permanece el espíritu de las actuaciones en directo. 

Como "derivado" de The Spacious Mind y con su "rock espacial", psicodelia e influencias orientales, algunos niños describieron su experiencia con la música de BOEL como andar sobre el agua, encontrarse con dinosaurios o bailar en la selva.

Brotherhood of Eternal Love

Green Morning Baby

(2000, Garageland Records GRCD 025)

Grabado en el estudio Spiff, entre 1999-2000.

Niklas - guitarras eléctricas, darbouka, batería, sonidos

Arne - guitarras eléctricas y acústicas, sitar, bouzouki, bajo, tablas, darbouka, voz, sonidos

Jens - órgano, sintetizadores, trompeta, letras, sonidos

Mainhorse Airline - "The Geneva Tapes (1969 - 1970)

 La banda suiza de progresivo-psicodelia Mainhorse se formó en 1969 en Londres, donde el teclista Patrick Moraz y el bajista Jean Ristori buscaban miembros para su banda.

Por razones económicas, el cuarteto regresó a Suiza, añadiendo al batería Arnold Ott y al guitarrista Augusto De Antoni.

Antes de que Patrick Moraz publicara el LP Mainhorse en 1971, él y el bajista y violonchelista Jean Ristori fundaron uno de los grupos más significativos de la historia del prog rock. En el verano de 1969, ambos abandonaron Suiza para dirigirse a Inglaterra con la intención de formar una nueva banda. La encontraron en el batería Bryson Graham y el cantante y compositor David Kubinec (World of Oz). Al principio se hacían llamar Integral Aim -luego Mainhorse Airline- y actuaban como teloneros de grupos como Free, Canned Heat y Humble Pie.

Para unos con mejor musicalidad que The Nice, menos exploraciones espaciales que Egg, la banda lo hizo un año antes de que nadie hubiera oído hablar de ELP. El vibrante órgano de Moraz y la base clásica de Ristori marcaron el camino y se unieron maravillosamente al talento compositivo de Kubinec en diez temas grabados en un estudio de un sótano suizo.

Más tarde, Kubinec sufriría un ataque al corazón y la formación original se disolvería.

Patrick Moraz pasaría a trabajar con otros grandes del progresivo, y parte de la música clave de este periodo se incluyó en "Mainhorse", de 1971. Pero estas primeras sesiones dan una idea del verdadero potencial del grupo y sacan a la luz un rincón en la sombra del progresivo underground, ofreciendo a los seguidores del rock progresivo un eslabón perdido de valor incalculable en la evolución de este estilo.

Temas:

01. Overture And Beginners    3:36

02. Blunt Needles    6:28

03. The Passing Years    3:28

04. Make It The Way You Are    5:01

05. Pale Sky    6:54

06. What The Government Can Do For You    4:26

07. The Daybreak Of Eternity    4:11

08. Directions For Use    4:18

09. A Very Small Child    4:29

10. God Can Fix Anything    11:27

Formación:

David Kubinec - voz

Auguste De Antoni - guitarra

Patrick Moraz - teclados

Jean Ristori - bajo

Bryson Graham - batería

Robert Reed "Sanctuary - Covered"

 

Finalmente ha anunciado Robert Reed una recopilación en la que incluye versiones de temas que dice le han influido mucho musicalmente. La ha llamado Sanctuary - Covered. 

Trece temas de sus compositores favoritos, arreglados e interpretados por Robert en el estilo musical de los álbumes Sanctuary, es decir, con un intenso sonido Oldfield. El álbum cuenta con la colaboración de Les Penning, Tom Newman, Terry Oldfield y Angharad Brinn.

Según comenta, "Me encanta reimaginar grandes composiciones y los temas de esta colección han influido mucho en mi producción musical. Son canciones que escuché durante mi infancia, como 'Chi Mai', del legendario compositor Ennio Morricone. Es una de las melodías más inquietantes que escribió y se convirtió en un éxito en el Reino Unido cuando yo era un adolescente. Los tres temas de David Bedford me traen recuerdos de mi inocente juventud y recuerdo vívidamente haber escuchado los originales en un reproductor de casetes mono en la cama.

Willow's Song" siempre estuvo en mi lista de canciones por grabar. Soy un gran fan del terror clásico y "El hombre de mimbre" es una de mis películas favoritas. Toda la banda sonora es increíble. La pequeña sección de Tubular Bells de Mike Oldfield que grabé con Les Penning es una de las melodías más emotivas que jamás escribió Mike. Telstar" es la última canción que grabé pensando en este álbum. Tiene una gran melodía y la producción de Joe Meek estaba muy adelantada a su tiempo.

Se lanza 16 de agosto de 2024 pero ya puede ser encargado:

Robert Reed "Sanctuary - Covered"

Temas:

1. Dance Of The Daoine Sidhe

2. Nurses Songs For Elephants

3. Chi Mai

4. Telstar

5. Witchfinder General

6. Hush Thee My Dove

7. A Minor Theme Tubular Bells

8. King Aeolus

9. Rio Grande

10. Mathematicians Air Display

11. Scarborough Fair

12. Dr Who Theme

13. Willow's Song (Extened Mix)

Robert Reed Covered Mathematician's Air Display

 Robert Reed lleva años rindiendo tributo a la música de Mike Oldfield tocando versiones de temas suyos o haciendo discos emulando al gran músico de Reading o tocando otros temas que nada tienen que ver con el músico inglés pero imitando el inconfundible estilo de Oldfield. 

Esta vez Reed se atreve con una versión, más corta que la original. del tema Matemaatikon Lentonäytös o, en la versión inglesa, Mathematician's Air Display.

Este tema estaba incluido en el tercer disco del músico finlandés Pekka Pohjola, Keesojen Lehto, del año 1977 y en el que tanto Mike como Sally Oldfield colaboraron, entre otros. Pohjola también colaboraría con Oldfield en su gira de finales de los setenta y se le vería en el dvd Exposed.

La versión de Reed es más modesta que el tema original ya que aunque toca todos los instrumentos de manera bastante solvente hay que recordar que en concreto en ese tema la guitarra la tocaba Mike Oldfield, el bajo y el sintetizador Pekka Pohjola y la batería Pierre Moerlen.

En cualquier caso es un bonito tributo a dos de los músicos más brillantes de las últimas décadas.

Robert Reed Covered Mathematician's Air Display

Pekka Pohjola - Mathematician's Air Display

Blues Addicts (II)

 En el sello Spectator Records se publicaron algunos discos que con el tiempo se han convertido en "míticos" por distintos motivos. 

El del grupo danés Blues Addicts, publicado en 1970, por ser uno de los primeros en su estilo en su país. Blues, "rock ácido", "garaje", todo mezclado en un disco de un grupo que había sido fundado a mediados de los sesenta como Bawdy Male Section. 

La banda estaba formada por Ivan Horn  (guitarra, voz) que posteriormente sería conocido por su colaboración con C.V. Jørgensen, Gibber Thomsen (voz, congas) cuyo nombre real era Thorstein y que grabaría también con Blues Addicts música para niños y que hoy día es escritor,  Mich Brink (bajo) y Henning Aasbjerg (batería). 

El disco que grabaron en 1970 en Spectator Records no es excepcional pero lo "oscuro" y lo prematuro (en su país) musicalmente hablando lo han convertido en uno de los más buscados del sello aunque en 2006 apareció la primera reedición en cd en Karma Music. La música era fundamentalmente blues rock que rendía tributo a los grandes grupos de la época como Ten Years After, Cream o Hendrix, centrándose mayormente en temas propios más que en hacer versiones. Las letras están en inglés y el sonido no es excesivamente bueno, incluso en las posteriores reediciones porque parece ser que las cintas originales se perdieron en un incendio poco después de ser grabado el disco.

En cualquier caso un buen disco para amantes de las rarezas y los discos pioneros más que para puristas o perfeccionistas.

Temas:

01. 5/4 — 3:12

02. Ba-Ba-Dar — 4:30

03. Bottleneck — 3:42

04. Hailow — 10:03

05. Jazzer — 1:37

06. Simple Expression — 4:05

07. Coward Way — 3:47

08. Smukke — 4:43

09. Electric — 7:57

Extras de la reedición (inéditos):

10. 5/4 (versión alternativa) — 1:15

11. Ba-Ba-Dar (versión alternativa) — 5:53

12. Hailow (versión alternativa) — 9:12

13. Train Kept Rollin’ — 5:48

14. Saxo — 3:34

15. Kong Midas — 3:12

Músicos adicionales:

Joachim Ussing — bajo (15)

Pia Dalsgaard — voz (15)

Carsten Meinert — productor

Cosmic Garden Project

 

Cosmic Garden Project es un Colectivo de Música y Arte fundado en 2019 por Per Svensson (The New Alchemy, The Kingdom of Evol), Dan Söderqvist (Älgarnas Trädgård, Twice a Man) y Pontus Torstensson (Tentakel, The Exorcist GBG). The Green Reverb es su álbum de debut, publicado en 2023.

La visión poética detrás de The Green Reverb es evocar los espíritus de la tierra, luchar contra la destrucción del medio ambiente, y como chamanes comunicarse con el espíritu o la mente del planeta, para sanar, para sobrevivir ... para estar en comunicación con la naturaleza y todas sus criaturas.

"Las criaturas dentro del árbol, susurrando, las raíces bajo este árbol, encantado y liberado, conectado a este árbol, árbol, árbol, árboles, la energía que sentimos, las fantasías del bosque, tan lejos como los ojos pueden ver" de Enchanted Tree - Cosmic Garden Project.

La naturaleza, la imaginación y los sueños son las fuentes de inspiración del proyecto. Un paisaje surrealista toma forma. Estamos viajando, explorando territorios desconocidos. El mundo en el que vivimos tiene muchas dimensiones aparte de la realidad obvia. Los sueños y la imaginación crean mundos que a veces son tan reales. La conciencia medioambiental está en el centro de este proyecto. La visionaria del siglo XII Hildegard von Bingen llamó Viriditas a la fuerza verde del mundo y sus poderes curativos. Viriditas es también el título de una canción del álbum de debut de Älgarnas Trädgård, la primera canción que Söderqvist escribió y publicó en 1972. Parece que la vida no es una línea recta, sino una espiral en la que las ideas vuelven de forma ligeramente distinta a través del tiempo y el espacio.

"Mira el dibujo que hace esta concha. La espiral moteada, curvándose hacia el infinito. Esa es la forma del universo mismo. Hay una presión constante, empujando hacia el patrón. Una tendencia en la materia a evolucionar en formas cada vez más complejas. Es una especie de gravedad patrón, un poder sagrado de reverdecer que llamamos viriditas, y es la fuerza motriz del cosmos. La vida, ya ves", de Marte Verde, de Kim Stanley Robinson. 

Per Svensson - Voz. Bajo, Guitarra eléctrica, Batería, Órgano Hammond, Grabaciones de campo

Dan Söderqvist - Voz, Guitarra acústica y eléctrica, Grabaciones de campo, Instrumentos de software, Mezcla

Pontus Torstensson - Batería, Percusión

Músicos adicionales en

A Ritual for the Ancient Bee & The Gothic Sea

Lisen Rylander Löve - Saxofón

Rasmus Alkestrand - Sitar

Para escuchar el disco: Cosmic Garden Project

Aubrey Small (II)

 

El nacimiento del rock progresivo fue el caldo de cultivo para el surgimiento de muchos otros grupos con nuevas ideas a finales de los sesenta. En Portsmouth, Inglaterra, ocurrió con varias bandas que se unieron en Aubrey Small en 1969. Tocaron por primera vez el día de San Valentín en 1970 en South Parade Pier, Southsea, aunque unas semanas después su guitarrista Marc Tuddenham dejó la banda. 

Como el grupo despertó bastante interés, decidieron sustituirle por Peter Pinckney, que acababa de ganar un premio musical de ámbito nacional. Gracias al reconocimiento que le proporcionó este premio a Pinckney, la banda contactó con Ronnie Scott, propietario de un club de jazz famoso, hicieron una audición con él y su socio Peter King, lo que les llevó a ser supervisados por Peter Chipperfiel. Esto les supuso hacerse un hueco en el mundo musical inglés de la época tocando en el club de jazz de Scott regularmente y en otros sitios como el Marquee o el Flamingo. Además atrajo la atención de varios sellos discográficos firmando finalmente con Alan Keen. 

Este repentino éxito también les llevó a ser escuchados en la BBC, tocar en directo y codearse con multitud de grandes grupos y músicos de la época. Con todo esto en su haber la banda por fin grabó su primer disco (y único) en los estudios Trident de Londres. 

El disco se grabó en 1971 pero cuando fue finalizado la compañía les comunicó que el presupuesto, del que no sabían de su existencia, para el disco había sido casi completamente utilizado para la grabación del disco, con lo que la promoción fue prácticamente inexistente. Con ello, el disco tuvo cierta promoción en Radio 1, en la BBC, pero fue insuficiente y poco a poco los abandonos y disensiones en la banda fueron sucediéndose hasta apagarse dos años después. 

En 2006 se reunió, reformada, para celebrar el 60 cumpleaños de tres de sus miembros y tocar los temas que hicieron a principios de los sesenta. 

En 2012 se rescató material "perdido" de la banda, siendo puesto a disposición de sus seguidores en su página, donde puede conseguirse la música de este grupo, prácticamente olvidado, con un pop de melodías pegadizas e instrumentaciones a lo Kaleidoscope o Beatles.

Aubrey Small

Discografía:

Aubrey Small - 1971

The Loser (sencillo) - 1972

Músicos:

- Peter Pinckney - guitarra, voces

- Allan Christmas - guitarra

- Rod Taylor - teclados, voces

- David Yearley - bajo

- Graham Hunt - batería, guitarra, voces

Festival Ragnarock (II)

 Ragnarock fue el nombre de una serie de festivales de rock celebrados en Oslo a principios de la década de 1970. Los dos primeros se celebraron en Holmenkollen el 17 de junio de 1973 y el 15 y 16 de junio de 1974, mientras que el tercero tuvo lugar en el estadio Ullevaal el 29 de junio de 1975.

A partir de la primavera de 1971, se celebraron numerosos conciertos al aire libre en la zona de Oslo. Inspirados por el Festival de la Isla de Wight (1968-1970) y el Festival de Woodstock en 1969, se organizaron por primera vez amplias reuniones de bandas noruegas de rock, orquestas de jazz y cantantes folk en conciertos al aire libre. Además, se celebraron toda una serie de conciertos gratuitos en St. Hanshaugen y Ekebergsletta. Al mismo tiempo, en Kalvøya (Bærum) se celebraba el Festival de Kalvøya, en el que se cobraba entrada para poder invitar a grandes grupos y artistas de renombre internacional (en un concierto al aire libre en Hovedøya organizado por el Club 7, con cantantes de rock, jazz y folk, también había que pagar para entrar).

Ragnarock (1973).

La idea del festival Ragnarock surgió internamente en Centralfilm AS de Oslo, que a principios de 1973 quería celebrar su 20 aniversario. Cuando la película concierto de Woodstock resultó ser un éxito de taquilla, surgió la idea de crear un festival de rock para producir una película concierto similar. Dado que el grupo de Oslo Christiania Fusel & Blaagress acababa de llamar la atención y había conseguido el primer puesto en el programa Norsktoppen de la NRK con su versión rockera de la canción de violín "Fanitullen", y que el grupo Saft, en colaboración con el violinista Sigbjørn Bernhoft Osa, mezclaba la música folk con el rock, el director de la película, Arne Philip Fraas, pensó que sería un concepto útil lanzar el "folk rock en suelo noruego" como elemento de apoyo e innovador en la película. La propuesta de hacer una película de cine de 90 minutos fue aceptada por el consejo de Centralfilm.

Tras un intento infructuoso de establecer una cooperación con los impulsores del Festival de Kalvøya, Paul Karlsen y Sten Fredriksen, el jefe de Polydor, Totto Johannessen, estableció contacto con Artist Promotion, que dirigía Stein Robert Ludvigsen. Ludvigsen fue nombrado entonces director del festival. En una reunión entre la junta de la Asociación Noruega de Esquí, el director de Centralfilm, Knut-Jørgen Erichsen, y el director Arne Philip Fraas, se eligió la zona de Besserudtjernet, en Holmenkollen, como sede del festival.

Se contrataron equipos Marshall de Londres. Como el sistema de amplificación era de 13.000 vatios, se enviaron cartas a los vecinos con entradas gratuitas para los jóvenes de la casa, y un llamamiento a los ancianos para que mantuvieran las distancias, o preferiblemente se marcharan, si no podían tolerar el ruido.

Durante el concierto, la filmación debía realizarse desde siete cámaras, cuatro de ellas desde posiciones fijas constantemente orientadas hacia el escenario, una cámara libre, otra constantemente orientada hacia el público y otra desde un helicóptero. Seis de los siete fotógrafos eran autónomos, y tres de ellos procedían de Alemania. Para evitar problemas legales posteriores, en las entradas se indicaba que se estaba filmando y que al comprar una entrada también se aceptaba que se estaba filmando. El horario de rodaje era de 13.00 a 22.00 horas.

Los conciertos atrajeron a unos 30.000 espectadores. La combinación de rock y música folk, representada por el grupo de Bergen Saft y el violinista Sigbjørn Bernhoft Osa y sus bailarines folk, ya hacía tiempo que se había etiquetado como folk rock. La banda inglesa Fairport Convention era un conocido exponente del género. En Noruega, la idea fue adoptada por primera vez por Hole in the Wall, liderado por el multiinstrumentista Rune Walle. Para la interacción con Osa en el Ragnarock, Saft se amplió con Rune Walle a la guitarra y la mandolina.

El viernes por la noche se habían prevendido unas 10.000 entradas para el concierto del domingo. Pero el tiempo acompañó, así que entre 30.000 y 40.000 jóvenes se desplazaron a Besserudtjernet...

Por la noche hizo más frío, y los jóvenes empezaron a encender pequeños fuegos, pero los bomberos consideraron que tenían la situación bajo control y, por tanto, se abstuvieron de intervenir. El evento recibió una buena publicidad. Sin embargo, el apretado programa hizo que no se permitiera actuar a una de las principales atracciones, Aunt Mary. El grupo sueco Rockfolket clausuró el festival.

El 1 de noviembre del mismo año se estrenó en cinco ciudades noruegas. La película, dirigida por Arne Philip Fraas y producida por Centralfilm AS, fue el primer largometraje noruego en estéreo. Además, se produjo una copia con cuatro bandas sonoras para su uso en el cine Colosseum de Oslo. La película recibió en su mayoría buenas críticas y una gran cobertura de prensa en los periódicos del país. En 2009 se editó una caja con un DVD y dos CD.

Del concierto de 1973 se publicaron un EP, Saft/Osa en Philips y un LP titulado Ragnarock 73 Live at Holmenkollen Open Air Concert en el sello Polydor.

La película teatral original del festival Ragnarock de 1973, que consta de un DVD (con sonido 5:1 y estéreo) y dos CD, se reeditó el 20 de abril de 2009 en forma de caja con un folleto informativo. Un CD contiene audio remasterizado del LP de 1973, además de tres temas extra del EP, mientras que el otro CD está compuesto por grabaciones de audio del concierto de 1974.

Ragnarock 1974

El festival de 1974 formaba parte de una semana de música escandinava de cinco días para jóvenes, que también incluía canto folk y jazz. El Ragnarock de Kollen se dividió en un concierto de folk el sábado y otro de rock el domingo. Ambos fueron organizados por Artist Promotion con Stein Robert Ludvigsen como director. El guitarrista Tore Syvertsen colaboró estrechamente tanto en 1973 como en 1974.

Se transportaron unas diez toneladas de material desde Londres. El escenario se construyó con los mismos materiales que se habían utilizado para el concierto del año anterior. Al mismo tiempo, se aumentó el precio de las entradas de 20 a 30 coronas. El festival transcurrió sin contratiempos, pero los organizadores sufrieron pérdidas económicas porque un gran número de personas saltaron las vallas y se colaron sin pagar.

En el concierto de canciones del sábado 15 de junio, los artistas actuaron desde un escenario más pequeño construido en el lado izquierdo de Besserudtjernet, mientras que el concierto de rock del domingo 16 de junio se tocó desde el escenario principal, que estaba más o menos en el mismo lugar que antes. El concierto de canciones del sábado atrajo a unos 3.000-4.000 espectadores, mientras que el número de asistentes al concierto de rock fue superior al del año anterior, en torno a 30.000 personas.

Eide, el niño pequeño, fue el anfitrión del concierto de canciones. La atracción principal, Cornelis Vreeswijk, recibió aplausos, y Finn Kalvik cantó la canción folk "Den svalande vind" e interpretó "Oliver møter Stressmann" a dúo con Lillebjørn Nilsen. Knutsen & Ludvigsen participaron con su "Sangerinnevise".

NRK estuvo presente y realizó grabaciones para radio y televisión. Esa misma noche se emitió un segmento en Dagsrevyen, mientras que la emisión televisiva de 75 minutos salió al aire cuatro días después, el jueves 20 de junio a las 21:15-22:30. Por motivos de derechos de autor, la grabación de NRK TV no se reeditó y se publicó en la caja con los dos CD y el DVD en 2009. El evento sufrió retrasos y el programa de actuaciones estuvo sobrecargado. Como este año el festival debía terminar a las ocho, ni Hawkwind, ni Titanic ni Prudence pudieron actuar. El concierto terminó con Procol Harum, pero sin su órgano en funcionamiento.

Ragnarock 1975

Debido a los problemas de demarcación de la zona alrededor de Holmenkollen, miles de personas se colaron dentro de las vallas en 1974 sin haber comprado una entrada. Además, la Asociación Noruega de Esquí, que gestiona las instalaciones de Holmenkollen, había exigido un porcentaje tan elevado de las ventas brutas de entradas que el director Stein Robert Ludvigsen y su jefe de proyecto Bjørn B Jacobsen se pusieron en contacto con la Asociación Noruega de Fútbol para organizar por primera vez un concierto de rock de un día entero en el campo de hierba del estadio de Ullevål. Se firmó el acuerdo, y Holmenkollen fue sustituido por el estadio Ullevaal, que hasta entonces era un escenario no probado para conciertos.

Tras varias reuniones con el Secretario General de la Asociación Noruega de Fútbol, Nicken Johansen, se ultimó el estadio Ullevaal.

En él participaron varios artistas noruegos de rock, como el batería Kaare Skevik, de Prudence, el bajista Asle Nilsen, de Ruphus, y Georg Keller, de Georg Keller Band.

El sistema de megafonía (sistema de sonido) vino en remolques de Marshall Equipment de Londres, y era el sistema utilizado por Led Zeppelin, un sistema de 15.000 vatios. El escenario fue construido por carpinteros en la curva hacia Sognsveien, y el público se sentó en la hierba. El estadio de Ullevål se llenó con unas 12.000 personas. El acontecimiento se desarrolló según lo previsto. Este fue el último de los tres conciertos del Ragnarock. La principal atracción fue Focus.

Además de las estrellas internacionales Focus y Edgar Broughton Band, también actuaron bandas escandinavas. Este fue el último gran concierto de Prudence, que incluía a Åge Aleksandersen y Terje Tysland antes de que la banda se disolviera. Andreas Diesen fue el presentador.

Tonkraft – Levande musik från Sverige (Live Music From Sweden)

Una de las primeras recopilaciones con rescate de archivos de la radio sueca en busca de otras cintas en directo inéditas de grupos notables fue "Tonkraft - Levande musik från Sverige", tres volúmenes en doble LP de grupos suecos grabados para el programa de radio Tonkraft, que se emitió de 1971 a 1980 (fue precedido por otro programa, Midnight Hour.) Todos con una excelente calidad de sonido, el primer volumen abarcaba de 1972 a 1974, el segundo de 1975 a 1976 y el tercero de 1977 a 1978, todos ellos con varias bandas que aparecían con un tema cada una. Durante mucho tiempo los álbumes Tonkraft fueron el único lugar al que acudir si querías más progg del que estaba disponible en los álbumes y singles originales de los artistas.

Posteriormente han salido otras recopilaciones como la caja de 40 CD "Progglådan" que contiene muchas de las grabaciones de los álbumes originales "Tonkraft", aunque en ésta se siguen presentando grabaciones no disponibles en otros lugares. Además, hay un par de bandas aquí que nunca publicaron ningún disco propio o bandas que al menos estuvieron poco representadas en vinilo en su día, como Plus Gäster, Kolossos Sandaler, Doggers Bankar, Kapten Krok y Harem, por mencionar algunas. Además, algunos de los artistas más conocidos tienen aquí temas que no están en ninguno de sus lanzamientos habituales, entre ellos Anna Själv Tredje, Mikael Ramel, Mount Everest, Berits Halsband, Elda Med Höns y Ensamma Hjärtan.

La recopilación de Tonkraft es una buena manera para iniciarse en la música "progg" sueca de aquella época, sin profundizar demasiado.

La primera de las recopilaciones es Tonkraft - Levande musik från Sverige 1972-74 (Tonkraft, publicado en 1980)

A destacar aquí grupos como Peps Bluesband, Pugh Rogefeldt con Nature y Kebnekajse o la completamente desconocida "I badkaret" de Plus Gäster es la mejor, como una mezcla de Kebnekajse y Fläsket Brinner.

La segunda recopilación es Tonkraft - Levande musik från Sverige

1975-76 (Tonkraft, publicado en 1981)

Este volumen ofrece bastante música inspirada en la fusión y el rock sinfónico, como Kolossos Sandaler, Första Förband (con Thomas Wiehe), Östan Sol Västan Måne, Kornet, Trettioåriga Kriget y Resa. También destacables John Holm (aunque ahora redundante, ya que se ha publicado en otros lugares desde entonces) y "Barbarella" de Fläsket Brinner (más tarde publicado en su caja de sesiones de la Radio Sueca).

La tercera entrega es Tonkraft - Levande musik från Sverige 1977-78 (Tonkraft, publicado en 1982)

A medida que acaba la década y empiezan los ochenta la calidad disminuye aunque sigue habiendo bandas interesantes como Anna Själv Tredje y Ramlösa Kvällar. De los grupos desconocidos, Harem es el mejor, casi como una versión potente de los folk-rockeros renacentistas británicos Gryphon. Por lo demás, demasiada fusión, sinfónico de serie B y blues rock cutre. (Alter Ego es la misma banda que tuvo un lanzamiento de archivo en Musea como Alter Echo).

Psychedelic Phinland - Finnish Hippie & Underground Music 1967-1974

 

Jukka Lindfors es un venerable experto en el campo de la música popular (e impopular) finlandesa que, además de trabajar en la radio, etc., ha supervisado varias colecciones de música finlandesa de las últimas décadas (publicadas por el legendario sello Love Records) que deberían interesar a todos los lectores de Foxy Digitalis. 

Tienen bastante renombre sus dos antologías de músicas de vanguardia, "Arctic Hysteria" y "Son of Arctic Hysteria", que reunieron montones de grabaciones extrañas y brillantes de cuatro décadas difíciles de encontrar. También es suya "Folk! From Hootenanny to Protest 1964-66" y, en 2006 vio la luz, "Psychedelic Phinland", un auténtico tesoro de jams psicodélicos, freak outs y curiosidades. El primer disco de esta recopilación de dos discos (dedicada a la memoria del escritor Jarkko Laine, fallecido ese año) se centra en algunos de los nombres más conocidos del rock y el pop finlandeses de tendencia psicodélica, con algunas rarezas incluidas. La fantástica Blues Section está representada por "Cherry Cup-cake Twist", un single de 1968, que es un buen ejemplo de su hermosa mezcla de melodías pop, psicodelia e influencias del jazz (libre).

 Blues Section formarían la base de la escena prog y jazz-rock finlandesa de los 70 en grupos como Piirpauke, Wigwam, Tasavallan presidentti y varios lanzamientos de jazz de Love Records.

 Wigwam aparece aquí con su primer single "Must Be the Devil", un tema de blues rock.

 Tasavallan presidentti, por su parte, es el grupo de acompañamiento de Pekka Streng en "Olen erilainen". "PientŠ peliŠ urbaanissa limousinessa" es una composición del saxofonista de Blues Section, Eero Koivistoinen (con letra del ya mencionado Jarkko Laine), rock contundente y muy groovy que vira hacia un outro totalmente libre.

Baby Grandmothers son el único grupo no finlandés aquí. Eran de Suecia, pero publicaron su único single en Finlandia, producido por el inimitable M.A. Numminen. "Being Is More Than Life" es una fabulosa excursión guitarrera al espacio interior. 

A M.A. Numminen se le puede encontrar en otras partes de esta colección, incluyendo un par de canciones de Suomen Talvisota 1939-40, un grupo de rock/pop experimental/dadaísta en el que participaba un grupo rotatorio de músicos y escritores. 

Kasvoton kuolema ja Sirhan Sirhan" de Suomen Talvisota (también con letra de Laine), cantada por el eterno favorito del pop Rauli "Badding" Somerjoki, es un clásico, que más tarde versionaron, con más intensidad si cabe, los art punks Se (su versión, por desgracia, no se incluye aquí).Los muy 'eavy, muy 'umble Apollo interpretan "Ajatuksia" con una intensidad de combustión lenta.

 El grupo de rock Charlies pone música de boogie eléctrico a los escritos de Mao Zedong en "Taiteen kritiikistŠ" y consigue que las palabras del presidente suenen. 

Hector (también conocido como Heikki Harma) está representado aquí con dos canciones. La primera, "Savu", de su época folkie, es una historia de drogas que da escalofríos. Lindfors también incluyó "Meiran laulu", del clásico álbum prog/psych de Hector, Herra Mirandos. Por alguna extraña razón, Lindfors también ha incluido dos canciones del horrible Jukka KuoppamŠki. En "Kukkasen valta", KuoppamŠki balbucea con su singular estilo vocal en defensa de la joven generación hippie. "Aurinkomaa" fue la canción con la que KuoppamŠki participó en el Festival de Eurovisión de 1974, y la verdad es que es muy buena, una canción de pop psicodélico brillante y soleado. Mucho mejor que cualquier cosa que hayan hecho los ganadores de Eurovisión 2006, Lordi.

Otras curiosidades del primer disco son la cinta-collage "The End", del grupo de rock Topmost, el manifiesto hablado "Olen puhunut utopiaa", del poeta Markku Into, y "Hippijortsut PšhkšlŠssŠ", de Jorma IkŠvalko, un desprecio malintencionado de los "hippies" y las guitarras eléctricas.

 Mientras que el primer disco contiene mucha música difícil de encontrar, el segundo entra en la categoría de "totalmente imposible de encontrar", ya que algunas de las grabaciones se publican aquí por primera vez (y otras no están disponibles en cd).

Pekka Airaksinen, The Sperm, SŠhkškvartetti/The Electric Quartet y J.O. Mallander ya deberían resultar familiares a quienes hayan tenido la oportunidad de escuchar Arctic Hysteria. Fos 2" de Airaksinen y "HeinŠsirkat I" de The Sperm (que también es de Airaksinen) son brillantes piezas de drone/noise de guitarra. Degnahc Ev'uoy" de Mallander es el estándar de jazz "You've Changed" tocado al revés. Kaukana vŠijyy ystŠviŠ", de Electric Quartet, también figuraba en la colección Arctic Hysteria, pero aquí podemos escuchar una versión alternativa, más discreta en comparación con el aluvión de ruido de Arctic Hysteria.

Those Lovely Hula Hands era un grupo formado por el artista underground Timo Aarniala (su dibujo "Quasimodo, el campanero de Notre-Dame, componiendo en el desierto" adorna la portada de esta colección).

 La primera encarnación del grupo era un quinteto totalmente acústico (la mayoría adolescentes), que tocaba una especie de música free-folk ("MenevŠt miehet" suena misteriosamente como Kiila) con flautas dulces, guitarras, violines, etc. En los años 70, el grupo había cambiado a una formación más orientada hacia el rock, pero seguía teniendo ese espíritu de jam hippie en "MissŠ on Marilyn? "Sikišt y Kruununhaan Dynamo eran dos grupos que contaban en gran medida con el mismo elenco de músicos y no músicos. 

Simple Things", de Dynamo, y "Side One", de Sikišt, son jams hippies casi estereotipados (pero muy buenos, eso sí), con percusiones tribales, flautas, armonio y demás. "En general, Lindfors lo ha hecho bien una vez más y aunque "Psychedelic Phinland" a veces parece un poco demasiado disperso en el primer disco (y, por supuesto, se podría discutir sobre algunas de las inclusiones y no inclusiones de Lindfors), es una escucha esencial para todas las partes interesadas. 

Temas:

CD1

1. Topmost: The End

2. Hector & Oscar: Savu

3. Jukka Kuoppamäki: Kukkasen valta

4. Jorma Ikävalko: Hippijortsut pöhkölässä

5. Blues Section: Cherry-Cup Cake Twist

6. Wigwam: Must Be The Devil

7. Baby Grandmothers: Being Is More Than Life

8. Eero Koivistoinen: Pientä peliä urbaanissa limousinessa

9. Charlies: Taiteen kriitikistä

10. Apollo: Ajatuksia

11. Suomen Talvisota 1939-40: Kasvoton kuolema ja Sirhan Sirhan

12. Suomen Talvisota 1939-40: Tehtaan vahtimestarit

13. Suomen Talvisota 1939-40: Flaggorna fladdrade i gentlemannens WC

14. Tylympi Kohtalo: Näkemiin, voi hyvin ystäväni

15. Pekka Streng: Olen erilainen

16. Juice Leskinen & Coitus Int: Zeppeliini

17. Hector: Meiran Laulu

18. Jukka Kuoppamäki: Aurinkomaa

19. Markku Into: Olen puhunut utopiaa

CD2:

1. Those Lovely Hula Hands: Tarzan apornas apa / Tarzan gregah / Jane Porter sivistyksen muurilla

2. Those Lovely Hula Hands: Menevät miehet

3. Pekka Airaksinen: Fos 2

4. The Sperm: Heinäsirkat I

5. Sähkökvartetti: Kaukana väijyy ystäviä

6. Kruununhaan Dynamo: Simple Things

7. Sikiöt: Side One

8. Sikiöt: Trippin' Together

9. Those Lovely Hula Hands: Missä on Marilyn?

10. J.O. Mallander: Degnahc Ev'uoY

Steppeulvene (II)

 

Banda danesa que a pesar de su corta vida, apenas un año, se ha convertido con el tiempo en un icono de la música "hippie" danesa. 

El nombre de la banda proviene de la obra del año 1928 Steppenwolf del nóbel Hermann Hesse, al igual que el de su homónima estadounidense. 

Sólo publicaron un disco, Hip, en 1967 que fue el primer disco de rock con letras en danés. 

El grupo estaba formado por Eik Skaløe y Stig Møller (guitarra, voz) junto a Søren Seirup (bajo) y Preben Devantier (batería). 

Los dos primeros estaban muy influidos por la psicodelia, el folk, la cultura oriental (de la India fundamentalmente) lo que marca el sonido del grupo. 

En otoño de 1967 un concierto de la banda acabó en redada policial con el arresto de los músicos por uso de cannabis. 

Poco después de la publicación de Hip, Eik Skaløe se fue a Afganistán y Nepal y fue hallado muerto en Ferozepore cerca de la frontera indopakistaní en octubre de 1968. Su muerte se dijo que había sido un suicidio con drogas. 

El resto de miembros intentaron seguir sin él pero dado su peso específico en la música del grupo, la banda se disolvió. 

El disco ha sido reeditado en diversas ocasiones aunque nunca ha vendido mucho pero la reciente reedición en doble vinilo (2015) lo ha convertido en casi un super ventas en Dinamarca, ayudado por la biografía sobre su fallecido cantante y por una película sobre el grupo llamada Steppeulven.

Steppeulvene

Nova

 Los italianos Nova (no confundir con los finlandeses y tantos grupos con este nombre), más activos en el extranjero que en Italia (donde sólo publicaron uno de sus 4 álbumes), son un caso único de grupo progresivo italiano que pasó casi toda su carrera en el extranjero. Tras la separación de Uno, los antiguos fundadores de Osanna, Elio D'Anna y Danilo Rustici, se quedaron en Londres y formaron otra banda llamada Nova con otros dos conocidos músicos italianos, Corrado Rustici, de Cervello, y Dede Loprevite, de Circus 2000.

La banda, con una mayor influencia del jazz-rock que sus grupos anteriores, publicó su primer álbum, Blink, en 1975, con la ayuda de grandes nombres como Pete Townshend y con la ayuda del letrista Nick J.Sedwick (que también escribió las letras de Uno). El sentimiento habitual de Osanna seguía en el aire, pero el estilo estaba cambiando hacia un tipo de música más comercial. Sólo dos de los seis temas son instrumentales, el papel de cantante lo asume Corrado Rustici, y el álbum tiene algunos buenos momentos.

Este fue el único álbum de su producción que tuvo una edición italiana, pero salió un año más tarde que el lanzamiento original en el Reino Unido.

El segundo álbum, Vimana, vio a la banda reducida a un trío, los miembros originales Elio D'Anna y Corrado Rustici aumentados por el teclista de los ex-New Trolls Atomic System, Renato Rosset, y con la ayuda de estrellas internacionales como Percy Jones (bajo), Narada Michael Walden (batería), Phil Collins (percusión). 

Aunque todavía pueden oírse algunos de los elementos sonoros típicos de Osanna/Cervello (el saxo de Elio D'Anna o la frenética guitarra de Corrado Rustici), el estilo de la banda se ha transformado en un nuevo estilo.

El tercer album es "Wings Of Love", del año 1977 con la misma formación que en Sun City con Barrie Johnson al bajo y Ric Parnell (RIP) a la batería. El sonido de este disco es más funky que el de los anteriores.

El cuarto y último, Sun city, se grabó en EE.UU. en 1978 y mostraba un sonido más duro con la mágica guitarra de Corrado Rustici (uno de los guitarristas con más talento de aquella época) en gran evidencia.

A continuación, D'Anna regresó a Italia para hacer carrera como productor y luego abandonó la escena musical, mientras que Corrado Rustici se quedó en EE.UU. y regresó a Italia, donde ha colaborado durante mucho tiempo con artistas como Zucchero y Elisa, tanto como músico como productor.

Durante sus primeros días en Inglaterra con Nova, tanto Elio D'Anna como Corrado Rustici (¡acreditado en la portada como Carrado Rusticci!) aparecieron en el álbum de 1976 Sunset wading del bajista de Caravan John G.Perry.

El batería original Dede Loprevite, que dejó Nova tras el primer álbum, volvió a Italia y tocó durante muchos años con Kim & the Cadillacs. Loprevite tocó en el popular Anima latina de Lucio Battisti, pero no fue acreditado en la portada. Falleció en 2014.

IQ Live in '25

 Anuncian los ingleses IQ gira para el año que viene que, a priori, parece que pasará por España.

Hay ya una buena cantidad de fechas en el calendario aunque todavía no hay venta de entradas más que para algunos eventos lo que, dicen, se irá haciendo a medida que se confirmen.

La intención es promocionar el nuevo disco que dicen esperan tenerlo preparado para esta gira.

En España hay de momento dos fechas anunciadas: 

22 de marzo La Sala (WIZ Centre) - Madrid

21 de marzo Razzmatazz 2 - Barcelona

Para más información:

IQ

Thor's Hammer

 Hljómar (o Thor's Hammer) fue una banda islandesa formada en Keflavik en 1963. Por aquellos tiempos, la base estadounidense que había cerca de esta localidad fue importante económicamente para la zona pero también por la música que radiaban en sus emisoras que llevaban a los nativos lo que se hacía en el mundo anglosajón ya que las emisoras locales radiaban fundamentalmente música popular. 

Rápidamente se hicieron populares y a mediados de los sesenta ya estaban grabando en Londres en Parlophone Records para el mercado internacional convirtiéndose algunos de sus discos en piezas muy codiciadas entre los coleccionistas. 

Entre el periodo 1967 y 1968 Hljómar ya era la banda principal en Islandia. Después de que no lograra abrirse paso (tanto internacional como localmente) con su ritmo y blues experimental "difícil" (como Thor's Hammer, más tarde reconocido como una de la mejor música hecha en Islandia durante los años sesenta), la banda se dispuso a tocar más música pop, lo que funcionó bien. 

La banda rápidamente recuperó su popularidad anterior y Svavar Gests decidió financiar un álbum de Hljómar para su sello SG. Este álbum homónimo de Hljómar se convertiría en el primer álbum pop moderno islandés. 

La banda tuvo que volar a Londres ya que los estudios de grabación de Islandia en ese momento se consideraron "no lo suficientemente buenos". Hljómar grabó doce canciones. Cinco canciones eran temas nuevos originales, tres de Gunnar Þórðarson, una de Þórir Baldursson y uno de Rúnar Gunnarsson de Dátar. El resto del álbum presentó versiones de éxitos extranjeros con letras islandesas, a menudo por Þorsteinn Eggertsson (quien también dibujó la portada del álbum).

 Tocaron sin descanso en salas de baile por toda Islandia. La banda rara vez interpretó sus propias canciones ya que la mayor parte de su repertorio eran versiones de éxitos internacionales. La experiencia en el directo les fue cambiando hasta el punto de que Rúnar Júlíusson, el cantante y bajista, originalmente había sido propenso a la timidez, tocando de espaldas a la audiencia convirtiéndose con el tiempo en un animal salvaje en el escenario. Saltó, trepó, se zambulló, incluso se desnudó en el escenario. Su actuación en el escenario fue legendaria y no se ha igualado desde entonces. Y se contagiaba a menudo al público que a veces provocaba tumultos tales que en alguna ocasión tuvo que cancelarse la actuación por los disturbios ocasionados por la audiencia. 

Los sueños de dominación mundial se reavivaron cuando Hljómar intentó entrar al mercado escandinavo en 1968. En un esfuerzo conjunto con Guðlaugur Bergmann, quien había dirigido la tienda de moda más moderna de Reykjavík, Karnabær, durante dos años, la banda fue a Suecia como embajadores del pop islandés. y moda. "La banda tiende a unir la forma tradicional islandesa y el mundo del pop", escribió Morgunblaðið, y agregó: "Hljómar estará vestido con chalecos de piel de oveja. Se llevarán calcetines de punto, gorras, etc. Hljómar ha arreglado motivos de rimas islandesas antiguas y ha agregado a su música y el langspil (antiguo instrumento islandés) será llevado ”. 

En el viaje no se consiguió mucho, ni por la moda islandesa ni por Hljómar. Sin embargo, a la banda se le ofreció un puesto de telonero para The Spencer Davis Group, pero los miembros no pensaron que fuera lo suficientemente bueno. 

Para su segundo álbum (también homónimo, pero más tarde conocido como Hljómar II), la banda agregó a Shady Owens a la formación. Shady era una hija de 19 años de un soldado estadounidense y una madre islandesa y se había quedado en Islandia por un tiempo, cantando con Óðmenn. El álbum fue grabado en Londres en un récord de 35 horas (su primer LP llevó 16 horas). Dieciséis músicos de sesión tocaron en el álbum, incluido el tecladista Nick Hopkins, que acababa de tocar en "Revolution" para The Beatles. El álbum tenía seis canciones originales de Gunnar Þórðarson en la cara 1 y seis versiones en la 2. El álbum costó mucho más de lo que SG había pretendido y vendió menos que el primer álbum. Se produjo una demanda que terminó en que Hljómar tuvo que pagar a SG por la extravagancia. A medida que la dirección general del rock se hizo más dura y / o progresiva, la dirección pop de Hljómar comenzó a ser abandonada. La competencia principal de Hljómar había sido la banda pop psicodélica Flowers y también dentro de esa banda algunos querían pasar a tocar un tipo diferente de música. Los miembros de la banda, especialmente los dos Gunnars (Þórðarson de Hljómar y Jökull Hákonarson, el batería de Flowers), discutieron un nuevo rumbo. La conclusión fue Trúbrot, el primer "supergrupo" de Islandia.

Discografía como Thor's Hammer;

Singles & EPs

A Memory

(7", Single)

Parlophone

1966

Love Enough / If You Knew

(7", Single)

Parlophone

1966

Umbarumbamba

(7", EP, Gatefold, 7", Single)

Parlophone, Parlophone

1966

Show Me You Like Me

Columbia

1967

Recopilaciones

Umbarumbamba... And More

(CD, Album, Comp)

Spor

1997

From Keflavik...With Love

Big Beat Records

2001

If You Knew: Icelandic Punk & Beat '65-'67!

Ugly Pop Records

2013

Discografía como Hljómar:

LP

Hljómar

SG-Hljómplötur

1967

Hljómar

SG-Hljómplötur

1968

'74

Hljómar

1974

Hljómar

(CD, Album)

Sonet

2003

Hljómar

(CD, Album)

Zonet ehf

2004

Singles & EPs

Fjögur Ný Lög

(7", EP, Mono)

SG-Hljómplötur

1965

Fyrsti Kossinn / Bláu Augun Þín

SG-Hljómplötur

1965

Hljómar

(7", EP)

SG-Hljómplötur

1968

Hljómar '74

(7", Single)

Hljómar

1974

Compilations

Hljómar 1965-68

SG-Hljómplötur

1975

Gullnar Glæður

Taktur

1988

Það Allra Besta

(2×CD, Comp)

Zonet ehf

2007

Fyrsti Kossinn - Hljómar Í 50 Ár

(3×CD, Album, Comp, DVD)

Sena

2013

Videos

Fjörtíu Ára Afmælis Útgáfa Hljóma 1963-2003

(VHS, PAL)

Zonet ehf

2003

Hljómar 1963-2003

(DVD, Album)

Zonet ehf

2004

Hidria Spacefolk "Rama Rama"

 

Nuevo tema publicado por los finlandeses Hidria Spacefolk que ya puede ser escuchado y comprado en su página. 

Tras el lanzamiento del tema Göbleki Tepe, tras años de silencio en cuanto a publicaciones se refiere, sorprenden otra vez con este nuevo tema llamado Rama Rama.

Se lanzó el 4 de junio de 2024 y en él tocan:

Kimmo Dammert - Bajo

Mikko Happo - Guitarras

Olli Kari - Vibráfono, Marimba, Xylosynth

Teemu Kilponen - Batería

Janne Lounatvuori - Teclados

Sami Wirkkala - Guitarras, Sintetizador

con la colaboración de

Hermanni Yli-Tepsä - Violín

Para escucharlo y comprarlo:

Hidria Spacefolk "Rama Rama"

Burg Herzberg Festival 2024

 El FBH es uno de los más veteranos festivales musicales del mundo, festival "hippie" que se celebra en Breitenbach am Herzberg , distrito Gehau, Alemania. 

El primer festival se celebró en 1968 cerca de Hesse Alsfeld y fue el primer festival "hippie" al aire libre en Alemania. Por él desfilaron en sus primeros años grupos como The Petards, Guru Guru, Amon Duul y Can. Sin embargo tuvo un lapso de inactividad desde 1973 a 1991, año en el que volvió a celebrarse, esta vez en un castillo. 

A medida que fue creciendo en importancia y afluencia de público fue quedando patente la necesidad de hacerlo en un sitio más amplio y finalmente en 1997 fue trasladado al campo. 

En la actualidad es el festival más grande de su tipo en Europa y por él han pasado multitud de músicos relacionados con el rock progresivo aunque el eclecticismo musical del festival ha quedado patente en todas sus ediciones. 

Por él han pasado músicos y grupos como17 Hippies, Ash Ra Tempel , Birth Control , Caravan ,  Eric Burdon ,  Gong , Ian Anderson , Joe Bonamassa , Gov 't Mule ,  Hawkwind , Iron Butterfly , IQ , Jane , Kraan , ... Desde 2005 es grabado para la cadena de tv alemana WDR por lo que, aparte de cds, también han sido publicados varios dvds.

En la edición de este año destacan la participación de Nick Mason's Saucerful Of Secrets y de dos clásicos del "krautrock" como Agitation Free y Kraan.

Para más información sobre el festival:

Burg Herzberg Festival 2024

Ale Möller "Andras"

 Andras es el último trabajo en estudio del multiinstrumentista y compositor sueco Ale Möller, publicado en febrero de este año. 

Difícil seguir la carrera de este fenomenal músico por la cantidad de discos que tiene en solitario, colaboraciones y participación en diversos grupos. Este tiene la particularidad de ser un disco de versiones. Según dice, "Nunca pensé que haría un álbum de versiones, pero me parece necesario y divertido. De todas las miles de canciones que he tocado a lo largo de los años, hay algunas que vuelven obstinadamente e insisten en ser tocadas. Acechadores perezosos que atacan por la espalda, a los que ahora he decidido enfrentarme en combate cuerpo a cuerpo".

Durante un par de intensos días, Ale Möller y sus colaboradores musicales, el fenomenal teclista Mats Öberg y el aclamado multiinstrumentista Olle Linder, se reunieron en una casa de campo de verano para grabar algunos de estos «acechadores» musicales. Música compuesta e inspirada por George Harrison, Billie Holiday, Evert Taube, Jim Morrison, Ravi Shankar, Lennon McCartney, Timas Hans y otros en interpretaciones fuertemente personales y caprichosas. Ale Möller y sus colaboradores llevan estos temas a otra dimensión.

El disco puede comprarse en formato cd en el sello que lo ha publicado, Supertraditional Records, y escucharse aquí:

Ale Möller "Andras"

Créditos:

Ale Möller

voz principal, mandola, acordeón, trompeta, clarino, flautas naturales, armónica (8)

Mats Öberg:

teclado, bajo sintetizado, armónica cromática, coros

Olle Linder:

percusión, guitarra de 8 cuerdas, contrabajo, coros

Temas:

1.Here Comes the Sun 04:30

2.St. James Infirmary 04:42

3.Ipiros 04:41

4.Pål Karls vals / Can´t Buy Me Love 07:18

5.The Nearness of You 06:22

6.People Are Strange / Polska efter Timas Hans 05:13

7.Fritjof i Arkadien 04:12

8.Cajun Waltz / Nidälven 04:15

9.Day Tripper 05:25

10.Wedding 04:22

11.Dispute and Violence 03:38

12.These Foolish Things 05:51