Eero Koivistoinen "Valtakunta"

 Eero Koivistoinen es un compositor versátil y un músico de gran talento, uno de los grandes del jazz finlandés de todos los tiempos. 

En 1965 Koivistoinen fundó un trío que interpretaba jazz de vanguardia y fusión junto a Pekka Sarmanto y Edward Vesala. 

Entre 1967 y 1968 formó parte de Blues Section, un grupo considerado la primera banda de rock progresivo de Finlandia y precursores de Wigwam y Tasavalan Presidentti, los puntales del rock progresivo finlandés.

Valtakunta («Reino») se publicó originalmente en 1968 y es el primer LP de jazz de Eero Koivistoinen, con toques de psicodelia, blues y rock. 

Las canciones del álbum se basan en letras escritas por los poetas finlandeses Pentti Saarikoski, Tuomas Anhava, Hannu Mäkelä y Jarkko Laine. 

Los vocalistas son Eero Raittinen, Seija Simola, Vesa-Matti Loiri y el propio Koivistoinen. Además de tocar el saxofón tenor, el piano y el vibráfono, cuenta con la colaboración de una amplia selección de legendarios músicos finlandeses, entre los que se incluyen Seppo «Baron» Paakkunainen, Pekka Sarmanto, Ronnie Österberg, Hasse Walli, Juhani Aaltonen, Antero Jakoila, Kaj Backlund, Esa Pethman y Reino Laine, entre muchos otros. 

Todas las composiciones son de Koivistoinen. El álbum refleja bien el futuro repertorio compositivo de Koivistoinen con su amplio espectro de estilos.

Valtakunta se reeditó en vinilo en 2016 a través de Svart y la edición encontró rápidamente un nuevo hogar en los tocadiscos de coleccionistas de todo el mundo. Tras diez años se recupera esta obra esencial de la psicodelia, la vanguardia, el free jazz y el rock progresivo finlandeses en vinilo y CD de nuevo.

La fecha de lanzamiento es el 17 de julio. En la página de Svart Records se puede comprar en cd, vinilo de distintos colores e, incluso, una camiseta conmemorativa.

Sun Dial (II)

 El precursor de Sun Dial fue Gary Ramon de The Modern Art, formado a mediados de la década de 1980 con una formación variable que nunca tocó en conciertos pero publicó dos discos de estudio. 

Ramón disolvió al grupo por el deseo de "hacer un grupo que suene en vivo y que pueda salir a tocar". La banda ganó prominencia después del lanzamiento de su primer disco, Other Way Out, que obtuvo su reconocimiento por el boca a boca. El disco se criticó positivamente en la prensa musical "independiente" ganando varios premios. Sin embargo tuvo valoraciones bajas o nulas entre críticos y emisoras de radio ya que su sonido psicodélico auténtico de los años 60 estaba pasado de moda en ese momento. Sin embargo Other Way Out sigue siendo popular en la actualidad entre los seguidores de la psicodelia y ya ha sido reeditado en varias ocasiones. 

En los discos posteriores el grupo, con multitud de variantes, ha explorado la psicodelia, el rock espacial y otros estilos cercanos a la psicodelia. Sus influencias mayoritarias provienen de la psicodelia de los sesenta y setenta y el rock duro, aunque también auna influencias más actuales.

 Después del disco en directo Live 1996, Ramon grabó un álbum llamado Kahoutek con Russell Barrett (ex-Chapterhouse que se uniría oficialmente a la banda en 2003). Sin embargo el disco sigue siendo inédito hasta el día de hoy (a excepción de un par de temas que salieron en la compilación de 2009 Processed for ADN). 

Siendo considerada su música un tanto "extrema" a estas alturas, Ramon llevó a Sun Dial a una pausa prolongada y dedicó su tiempo a producir discos de otras bandas de los cuales muchos serían publicados en su sello, Acme. Durante este tiempo Ramon también trabajó con Coil y Current93 y lanzó Quad, un proyecto en solitario que explora el ambiente electrónico y el krautrock. 

Sun Dial se volvió a reunir para una presentación en vivo en diciembre de 2002 y lanzó su siguiente discos, Zen For Sale, algunos meses después. 

En 2010 lanzaron una antología de 2 CDs del 20 aniversario, Processed For DNA, a través de Shrunken Head antes de volver con un nuevo disco de estudio homónimo, musicalmente mucho más "duro" que antes y más influenciado por música de principios de los 90 que la psicodelia de finales de los sesenta. Fue lanzado junto con una importante campaña de reedición de Sun Dial que se detuvo después de la reedición del disco Reflector.

Para más información, escuchar y comprar su música: Sun Dial

Pink Floyd "Live from the Los Angeles Sports Arena, April 26th 1975"

 Pink Floyd Live from the Los Angeles Sports Arena, 26 de abril de 1975 muestra a la banda en pleno auge tras el éxito de «The Dark Side of the Moon».

 La grabación que constituye la base de esta histórica publicación fue realizada por el difunto pirata discográfico Mike «Mike the Mic» Millard, cuyas cintas de conciertos celebrados en Los Ángeles en la década de 1970 se hicieron famosas por su sorprendente nitidez de sonido. Las cintas para este lanzamiento oficial han sido meticulosamente restauradas y remasterizadas por Steven Wilson.

 La gira Wish You Were Here se anunció a principios de marzo de 1975, apenas un mes antes de su inicio. Las entradas se agotaron al instante y batieron récords de taquilla, incluido el del Los Angeles Sports Arena, que en un solo día vendió las 67 000 entradas asignadas para las cuatro noches programadas. Se añadió un quinto concierto y se agotó en cuestión de horas. 

En la época de los conciertos en el Los Angeles Sports Arena, Pink Floyd se encontraba en un periodo de transición creativa. Aunque en un principio se esperaba un nuevo álbum a principios de 1975, la banda se embarcó en su gira norteamericana mientras aún desarrollaba material nuevo en directo, sobre el escenario. 

El concierto comenzó con versiones tempranas de canciones inicialmente tituladas «Raving and Drooling» y «You’ve Got To Be Crazy», que más tarde se convertirían en «Sheep» y «Dogs», incluidas en su décimo álbum, Animals. «Shine On You Crazy Diamond», en sus dos partes, enmarcaba otra nueva composición, «Have A Cigar». Tras estas nuevas composiciones, la banda interpretó The Dark Side of The Moon al completo, con «Echoes» como bis.

Temas:

1. Raving and Drooling

2. You've Got To Be Crazy

3. Shine On You Crazy Diamond (1-5)

4. Have a Cigar

5. Shine on You Crazy Diamond (6-9)

6. Speak to Me

7. Breathe (In The Air)

8. On the Run

9. Time

10. The Great Gig in the Sky

11. Money

12. Us and Them

13. Any Colour You Like

14. Brain Damage

15. Eclipse

16. Echoes

El disco se pondrá a la venta el 24 de abril y podrá adquirirse aquí.

También habrá una edición especial de cuatro vinilos transparentes para el Record Store Day del 18 de abril.

Este directo, aparte de circular por las redes desde hace mucho tiempo, vio la luz de manera oficial en la edición 50 aniversario de Wish You Were Here.

Skog Under Jord (II)

 

Primer y único disco hasta el momento de este quinteto también llamado Skog Under Jog (ahora trío) sueco formado por Peter Turesson (batería), Emil Olsson (bajo), Zakarias Lindhammar (órgano hammond), Hugo Vikström (guitarra "izquierda") y Olle Persson (guitarra "derecha"). 

Compuesto de dos temas de unos 17 minutos cada uno, instrumentales, con influencia del progresivo de los setenta, la psicodelia y "sonidos stoner y folk", sorprende el acabado para un grupo que prácticamente no se ha juntado para tocar al vivir sus miembros en localidades muy distantes unas de otras en Suecia. 

Desde que grabaran el disco, en 2014, no han vuelto a hacer nada más que perder a sus dos guitarristas. 

Con preferencias musicales como Hansson & Karlsson, Trummor & Orgel, Bo Hansson, Made In Sweden, Bosse Skoglund, Jimmy Hendrix, Kvartetten som Sprängde, Dungen, Dead Meadow, Kebnekajsey Moon Duo, el resultado es un nexo entre aquella música de los setenta y sonidos más actuales, creada tras largas sesiones de improvisación y con un importante bagaje musical a sus espaldas a pesar de su juventud. 

De momento sólo en formato digital, tienen la intención, si encuentran los medios necesarios, de publicarlo en formato físico aparte de grabar un nuevo trabajo pero o no lo han conseguido o no ha llegado la noticia a estos lares.

Skog Under Jog

Skog Under Jord - Skog Under Jord (Remastered 2026 - DR 13)

Midnight Sun (II)

 Midnight Sun o Rainbow Band, que es como se llamaban originalmente, se formó en Dinamarca en 1970 como un super grupo formado por Peer Frost, que había estado anteriormente en Young Flowers, Lars Bisgaard, ex-Maxwells, Carsten Smedegaard (antes en Beefeaters), BentHesselmann y los músicos de jazz Niels Brønsted y Bo Stief (que habían tocado para músicos de jazz norteamericanos en el café de jazz de Copenague Montmartre). 

La mezcla de músicos provenientes del blues rock y de jazz creó un sonido en cierto modo cercano a los también daneses Burnin' Red Ivanhoe aunque sin el toque de originalidad de estos últimos. 

Su primer concierto fue ese mismo año con It's a Beautiful Day y Santana. A finales de 1970 publicaron su primer disco como Rainbow Band. 

A principios de 1971 Bisgaard fue sustituido por Allan Mortensen y las partes vocales y algunas instrumentales fueron regrabadas y de nuevo publicadas como Rainbow Band. 

Los cambios se sucedieron en el grupo: 1) "King Of The Sun", "Where Are You Going To Be" y "Living On The Hill" fueron regrabados. 2) "Where Do You Live" tuvo nuevas letras de Allan Mortensen y fue regrabado como "Talking". Mortensen grabó el único tema nuevo "Sippin' Wine". 3) Nobody y "B. M." fueron remezclados y separados. Las partes vocales también fueron cambiadas.

 En el otoño de 1971 la banda fue forzada a cambiar su nombre debido a una oferta de Jack Holzman de Elektra Records. Cambiaron su nombre a Midnight Sun al distribuirse su música internacionalmente en MCA Records (parece que ya había un grupo canadiense llamado Rainbow Band). 

En el verano de 1972 publicaron el sencillo "Nickles and Dimes" / "King of the Sun". En febrero de 1972 Mortensen dejó el grupo y fue sustituido por Frank Lauritsen, que se les unió a tiempo para grabar Walking Circles ya como Midnight Sun (estos dos discos, Midnight Sun y Walking Circles tenían portadas de Roger Dean). 

En el verano de 1972 Jens Elbøl fue sustituido por Bo Stief al bajo. Con esta formación tocaron durante dos años y grabaron su tercer (o cuarto disco, si se cuenta Rainbow Band)  "Midnight Dream" a finales de 1973. 

En febrero de 1974 grabaron su última publicación: el sencillo "Before You Know"/ "Can You Hear the Music Play?" y tocaron por última vez en noviembre de 1974. Por esta época ya habían dado más de 450 conciertos por Dinamarca, Suecia, Noruega y Holanda, lo que destruyó la banda aunque para ellos era una necesidad porque era la manera más rápida de ganar dinero.

Agusa "Panacea"

Agusa ha demostrado ser una banda formidable en directo, por lo que este es ya su cuarto álbum en vivo. «Panacea» recoge un potente concierto, grabado en el Progressive Circus Festival de Malmö el 28 de septiembre de 2024. El álbum consta de solo tres canciones, pero todas ellas son grandes éxitos en directo.

«Panacea» saldrá a la venta el 22 de mayo y esto es lo que la banda tiene que decir al respecto:

Panacea es un remedio universal para todos los males y dificultades. Es una panacea para todo lo que está mal en el mundo. Una fuerza curativa y un concepto alquímico. La diosa de la salud y el espíritu y la piedra filosofal. Grabado en directo en concierto, Panacea aporta vibraciones sonoras para tu mente y tu alma. Dejemos que la música cure todas las heridas y calme nuestras mentes preocupadas. ¡Amén a eso, hermanos y hermanas!

Hoy se publica un adelanto del álbum, que corresponde al tema «Ur Askan», y se puede escuchar aquí, además de comprarlo:

Agusa - Sencillo «Ur Askan»

Agusa dice lo siguiente al respecto:

Ur askan (De las cenizas) es una plegaria universal, una súplica de perdón. En última instancia, hay esperanza. Una esperanza que crece, supera los obstáculos y se convierte en lo que siempre estuvo destinado a ser.

Agusa es una banda cuyas raíces se hunden profundamente en los fértiles ambientes del space rock, el krautrock y el jazz, y que se inspira en la música folk nórdica y latinoamericana. Al escuchar la música de Agusa, uno tiene la sensación de ser transportado de vuelta a los años 70, pero esta vez la década tiene un enfoque completamente nuevo, porque se trata de un grupo de músicos que interpretan las cosas a su manera y se han unido para forjar una fuerte identidad musical que es inconfundiblemente Agusa.

Mezclando estructuras de rock psicodélico y progresivo destinadas a infundir visiones de la naturaleza y el cosmos, el sonido de Agusa oscila sin esfuerzo entre la belleza majestuosa y los estallidos violentos. Pasajes oníricos serpentean hacia reinos que insinúan una existencia sobrenatural o paralela.

Lista de canciones de «Panacea»:

1. Lust och Fägring (Sommarvisan)

2. Den Förtrollade Skogen

3. Ur Askan

Yes "he Music Roots Of Yes: Rare Recordings From The Early Years 1963-1970"

 

Subtitulado “Recorded Before The Birth Of Yes” and “Rare Recordings From the Early Years 1963-1970", este álbum de dos discos contiene grabaciones de los distintos miembros de Yes antes de que se convirtieran en Yes.

No hay casi nada que dé pistas de «Roundabout», etc.. El primer disco cuenta con el batería Alan White y su banda Happy Magazine con mucho pop rock inglés y armonías en «Marlene» y «Leah», mientras que «Brazil» suena como una banda de lounge. 

Steve Howe saca a relucir su lado más Chuck Berry con Syndicats en «Maybelline»,  mientras que también se muestra en un estado de ánimo pop en «Why  Must They Criticize». 

Tony Kaye se vuelve oscuro con Winston’s Fumbs en «Real Crazy Apartment» y la voz de Jon Anderson aún no ha cambiado al falsete en «You Came Along» y «Sonata of Love».

Una pieza de arqueología musical sobre todo para los seguidores de Yes.

1-1 Brazil

1-2 On A Persian Market

1-3 The Climb

1-4 Dance With A Dolly

1-5 Boot Hill

1-6 Keep On Dancin' With Me

1-7 Marlena

1-8 Please Believe Me

1-9 Twilight Time

1-10 Lost And Alone

1-11 Bucketful Of Love

1-12 Leah

2-1 Why Must They Criticize (The In Crowd)

2-2 I Don't Mind (The In Crowd)

2=3 Engel Fallen Nicht vom Himmel (Keith West)

2-4 Shy Boy (Keith West)

2-5 You Came Along (The Warriors)

2-6 Sonata of Love (Hans Christian)

2-7 Mississippi Hobo (Hans Christian)

2-8 Revolution (Tomorrow)

2-9 Three Jolly Little Dwarfs (sic) (Tomorrow)

2-10 Real Crazy Apartment (Winston S Fumbs)

2-11 Snow White (Winston S Fumbs)

2-12 Maybelline (Syndicats)

2-13 True To Me (Syndicats)

Mellow Candle (II)

 Provenientes de Killiney, Irlanda y activos entre 1967 y 1973 este grupo de folk rock estuvo formado por Clodagh Simonds (voz, piano, clavicordio, mellotron) conocida más por su colaboración con Mike Oldfield, Alison Williams (voz), David Williams (guitarra), Frank Boylan (bajo) y William Murray (batería). 

La vida del grupo se inició cuando tres estudiantes, Clodagh Simonds, AlisonO'Donnell (más tarde Williams) y Maria White, originalmente conocidas como The Gatecrashers, desesperadas porque no se las conocía en su entorno, enviaron una demo al presentador de Radio Luxemburgo Colin Nicol. Esto las llevó a firmar la publicación de un sencillo en SNB Records, el sello del representante de los primeros Yardbirds Simon Napier-Bell, distribuido por CBS. "Feeling

High" / "Tea With The Sun" tuvo buena aceptación pero no entró en las listas de éxitos lo que no gustó al sello. 

La banda se mantuvo en espera un par de años mientras las chicas acababan los estudios y consideraban distintas opciones pero en 1970 Clodagh & Alison estaban ensayando como Mellow Candle convertidas ahora en cuarteto folk rock sin batería y con Dave Williams (guitarra) y Pat Morris (bajo). 

Sus temas no eran folk rock al uso, más cercanos al progresivo a veces y con una fuerte presencia de las maravillosas voces femeninas. Poco a poco se fueron introduciendo en la escena musical de Dublín convirtiéndose Ted Carroll en su representante. 

Hicieron su estreno en directo en el  Liberty Hall teloneando a The Chieftains en 1970. Las grabaciones inéditas de esta época (1969 - 1970) fueron publicadas en el sello Kissing Spell como "The Virgin Prophet". 

En 1971 Pat Morris dejó la banda y fue sustituido por Frank Boylan (ex Creatures) al bajo. Se incorporó el batería William Murray, originario de Glasgow y que había tocado en Kevin Ayers. Pat Morris apareció posteriormente en Under River. 

Con una base rítmica más robusta la formación se trasladó a Londres pero siguió actuando regularmente en Irlanda tocando por ejemplo en 1971 en el Headland Festival (Alan Price, Georgie Fame, Arthur Brown's Kingdom Come) y en el Wexford Festival (Fairport Convention, Tír na nÓg) aparte de telonear a Genesis, Thin Lizzy, Donovan y Steeleye Span entre otros. 

El grupo fichó por el sello Deram y en 1971 publicaron su primer disco, "Swaddling Songs" en los estudios Decca en Tollington Park en Londres con el productor David Hitchcock. Tocaron en el Foxrock Folk Club en 1972, donde se solían grabar las actuaciones aunque de ellos no se conoce ninguna grabación de esta actuación. "Swaddling Songs" fue publicado en abril de 1972. No tuvo la aceptación esperada, algo que resulta inaudito ahora dada la calidad del disco llegando a ser considerado con el tiempo uno de los mejores discos de folk rock progresivo de todos los tiempos. 

A pesar de los esfuerzos de Ted Carroll por promocionar al grupo, este no cuajó con lo que Frank Boylan dejó la banda y regresó a Dublín. Fue sustuituido por Steve Borrill (Spirogyra) , otra banda de folk rock que tampoco tuvo mucho éxito a pesar de su calidad. Mellow Candle cambiaron el nombre por Grace Before Space en 1972 y continuaron hasta 1973, año en el que finalmente el grupo se disolvió.

Focus "House Of The King - Live In The USA 1973"

Nuevo directo rescatado y remasterizado, en este caso de los holandeses clásicos del progresivo Focus.

En esta ocasión es una emisión por la radio de una actuación en el Philarmonic Hall de de Nueva York el 23 de marzo de 1973.

En esa época, 1973, Focus estaban en pleno apogeo musical y de hecho publicaron un directo en el Rainbow de ese año y ahora esta actuación de ese año con un extra de la BBC también de 1973.

El repertorio es muy bueno, como casi todo lo que habían hecho hasta el momento, en especial la versión de Anonymous II.

El disco también merece por lo reducido del precio. Se publicará el 20 de marzo, casi 53 años después de la actuación.

Para comprarlo: Focus "House Of The King - Live In The USA 1973"

Temas:

1.  Crowd  .26

2.  Focus III  3.26

3.  Answers? Questions! Questions? Answers!  12.42

4.  Focus II  4.30

5.  Anonymous II  26.31

6.  Eruption  9.15

7.  Hocus Pocus  9.32

8.  Sylvia  3.47

9.  Hocus Pocus (Reprise)  3.30

 Bonus Track. Sequence Program - BBC Session, 30th January 1973

 10. House Of The King  2.40

Korai Öröm (II)

 

El grupo húngaro Korai Öröm, de Budapest, fue creado en 1990 y como dicen, conjuga los sonidos de las diferentes etnias y galaxias musicales, que son tremendamente abundantes. 

Empezaron como trío en 1991y aunque en los inicios querían ser como Joy Division, eso ya quedó en el olvido. 

Su primer trabajo lo publican en 1993 en cassette y hasta 2013, año en el que publican el último, han lanzado al mercado 11 discos. 

Se definen como tribal-trance-etno músicos, habiendo cabida para la psicodelia, el folk, la electrónica... y son comparados a menudo con Ozric Tentacles o Hidria Spacefolk aunque desde un principio desarrollaron un estilo propio muy personal. 

En sus casi 30 años de existencia han actuado en multitud de conciertos y festivales, siendo el directo su fuerte y donde se realza la música del grupo, por el que han pasado multitud de músicos.

 Su radio de acción, aparte de Hungría, es Centro Europa, habiendo tocado en paises como Holanda, Alemania, Austria, Francia, Bélgica, Suiza, Eslovaquia, Eslovenia, Polonia, Rumanía y Serbia. 

La importancia del directo es vital en el grupo ya que sus temas nacen de él, ya sea en el estudio o en el escenario, y de la improvisación, con la que van creando las piezas progresivamente. No les importa no dar nombres a sus temas o a sus discos, ni se consideran importanes. Lo relevante para el grupo es tocar en directo y que el público disfrute de sus conciertos.

En la actualidad el grupo está formado por Tibor Domokos (teclados), Gábor Borosi (teclados), Viktor Csányi (batería), János Jócsik (percusión), Zoltán Kilián (bajo), Zsolt Nádasdi (percusión), Miklós Paizs (fuyara, trompeta, cantos, (pipas de agua), Péter Szalay (guitarra), Andor Kovács (guitarra), Tibor Vécsi (voz), VJ's: Zoltán Bonnyai, Gábor Völgy.

Más información:

Korai Öröm 

Para comprar sus discos:

Periferic Records

Hisko Detria (II)

 

Joven banda finlandesa de psicodelia, rock experimental, krautrock (ellos se consideran estar en esta última corriente) que crea música instrumental basada en ritmos muy marcados y que empezó a gestarse en 2010 en Turku (aunque también tiene un miembro de Frankfurt). 

Su nombre proviene de un fenómeno que combina la luz y la tecnología óptica. Sus inicios estaban muy próximos a la música de los alemanes Neu! aunque rápidamente consiguieron crear un estilo propio basado en influencias tan dispares como la ciencia ficción y Stockhausen con el que hacen incluso versiones de Canned Heat. 

Su primer trabajo, Static Raw Power Kraut, de 2012, tuvo bastante buena acogida y fue incluso radiado en la emisora WFMU, lo que le dio cierto reconocimiento entre una minoría entendida en esta música. Sólo consiguieron editarlo en cassette y formato digital por ellos mismos aunque su segunda publicación, Hisko Detria / 10000 TeraHertz, ya vio la luz en el sello independiente Illegal Records. 

Sus dos últimos trabajos, de 2015 y 2017 respectivamente,  E-Musikgruppe Lux Ohr, Hisko Detria - Jenseits Der Mauer Des Schlafes / Violence ‎y Mal Du Siècle, han sido editados por Svart Records ya en formato vinilo. 

En la actualidad Hisko Detria está formado por Klaus Löpöti - batería, Jätkä - guitarra, voz, Atte Häkkinen - teclados y Andreas Baader - bajo.

Hisko Detria

Hashish

 Con un nombre así se puede intuir el contenido del primer trabajo y único hasta el momento de estos escandinavos (poca información sobre el grupo en sí hay) que publicaron en 2016  A Product Of Hashish. 

Psicodelia, electrónica, rock "espacial", "ambiente", pop, en una mezcla bastante audible y agradable publicada por Woah Dad!  y promocionado por Stefan Kéry a través de Subliminal Sounds. 

La mayoría de los temas son instrumentales, algunos vocales, en inglés y con voz femenina, en un disco del que sólo se han publicado ¡499! copias en vinilo, es decir, se ha convertido en una rareza nada más ver la luz. 

Por suerte también fue editada una versión en cd en el sello alemán Colline Noire. 

Tienen también en el mercado dos sencillos publicados en 2015.

Para comprarlo: Subliminal Sounds

Temas:

Bliss    

Fly Away    

The Light    

Revel    

Outer Spaced    

Make It    

Miracles    

The Light Pt. II

Etcetera (II)

 La banda de rock sinfónico danesa Etcetera (no confundir con los alemanes homónimos o los canadienses Et Cetera) fue formada mientras estudiaban en la escuela sus principales artífices Johnnie McCoy (batería) y Frank Carvalho (guitarras). 

Con su origen en 1986 en el grupo estaban en un principio Anders Kiaerulff (bajo), Michael Munch-Hansen (voz, teclados) y Lars Soegaard (flauta, saxo) pero no sería hasta 1988 que Carvalho y McCoy grabasen su primer disco con Morten Elbaek (saxo) y Mads Wadmand (teclados). 

Posteriormente McCoy sería sustituido por Jens Nyholm dejando Elbaek y Wadmand la banda. Con esta formación grabaron su segundo disco, The Difficult Second, en 1990 con el cantante Munch-Hansen. 

Etcetera poco después se disolvió para aparecer de nuevo en 1995. Trabajando con nuevo material y desempolvando grabaciones antiguas, finalmente publican Fin de Siecle en 1999, su disco más conocido. 

Pero la distancia entre las residencias de los miembros del grupo provoca una nueva ruptura y una nueva reencarnación del grupo en 1999 con McCoy, Carvalho, Rene Esmann al bass y Christian Lauridsen a los teclados y la voz. 

En 2003 publican Tales of Ardour and Deceit, hasta hoy última publicacióna aunque en su página anuncian más novedades y un nuevo trabajo que a día de hoy no ha visto la luz.

Para más información:

Etcetera

Gryphon "Raindances: The Transatlantic Recordings 1973-1975"

Raindances recopila las versiones remasterizadas de los cuatro álbumes de Gryphon para Transatlantic Records en un doble CD.

Gryphon, uno de los grupos más originales que surgieron en la era progresiva, fusionó los enfoques progresivos contemporáneos con la música tradicional inglesa y las influencias medievales y renacentistas, utilizando instrumentos como crumhorns, flautas dulces, fagots y mandolinas.

Contiene Gryphon (1973), Midnight Mushrumps (1974), Red Queen To Gryphon Three (1974) y Raindance (1975).

Incluye un folleto ilustrado con un ensayo de Malcolm Dome y entrevistas exclusivas con Richard Harvey, Brian Gulland, Graeme Taylor y Dave Oberle.

Temas:

CD 1

1. KEMPS JIG

2. SIR GAVIN GRIMBOLD

3. TOUCH AND GO

4. THREE JOLLY BUTCHERS

5. PASTIME WITH GOOD COMPANY

6. THE UNQUIET GRAVE

7. ESTAMPIE

8. CROSSING THE STILES

9. THE ASTROLOGER

10. TEA WRECKS

11. JUNIPER SUITE

12. THE DEVIL AND THE FARMER’S WIFE

TAKEN FROM “GRYPHON” – RELEASED AS TRANSATLANTIC TRA 262 IN 1973

 

13. MIDNIGHT MUSHRUMPS

14. THE PLOUGHBOYS DREAM

15. THE LAST FLASH OF GABERDINE TAILOR

16. GULLAND ROCK

17. ETHELION

TAKEN FROM “MIDNIGHT MUSHRUMPS” RELEASED AS TRANSATLANTIC TRA 282 IN 1974

 

CD 2

1. OPENING MOVE

2. SECOND SPASM

3. LAMENT

4. CHECKMATE

TAKEN FROM “RED QUEEN TO GRYPHON THREE” - RELEASED AS TRANSATLANTIC TRA 287 IN 1974

 

5. DOWN THE DOG

6. RAINDANCE

7. MOTHER NATURE’S SON

8. LE CAMBRIOLEUR EST DANS LE MOUCHOIR

9. ORMOLU

10. FONTINENTAL VERSION

11. WALLBANGER

12. DON’T SAY GO

13. (EIN KLEIN) HEIDENLEBEN

TAKEN FROM “RAINDANCE” - RELEASED AS TRANSATLANTIC TRA 302 IN 1975

Para encargarlo: Gryphon "Raindances: The Transatlantic Recordings 1973-1975"

Gouveia Art Rock Festival 2026

 Ya está muy avanzada la preparación del próximo Garfest 2026. Se celebrará una vez más el puente de mayo, del viernes 1 al domingo 3. 

Los artistas anunciados hasta el momento son: 

Los franco belgas Bipolar Bows que es un dúo de cuerdas que interpreta música folk y clásica, jazz, blues y funk

Lotte Remmen - violín, voz

Toby Kuhn - violonchelo

Los noruegos progresivos Meer

Johanne-Margrethe Kippersund Nesdal – voz

Eivind Strømstad – guitarras, coros

Åsa Ree – violín y coros

Ingvild Nordstoga Sandvik - viola y coros

Ole Gjøstøl – teclados y coros

Morten Strypet – bajo y coros

Mats Fjeld Lillehaug - batería y coros

Los ingleses Soft Machine

John Etheridge - guitarra

Theo Travis - saxofón, flauta, piano eléctrico

Fred Baker - bajo

Asaf Sirkis - batería

El inglés Dominic Sanderson con influencias que van desde King Crimson, Van der Graaf Generator y Steven Wilson, hasta la Canterbury Scene Caravan y Soft Machine

Dominic Sanderson - Guitarra, voz

Tristan Apperley - bajo

Jacob Hackett - batería

Andy Frizell - saxofón, flauta

Embiye Island - teclados

Los noruegos Hedvig Mollestad Trio que vuelve con una formación distinta a la edición Garfest 2024 

Hevdig Mollestad – guitarra

Ståle Storløkken – teclados

Ole Mofjell – batería

El canadiense David Myers que fuera teclista de The Musical Box de 1993 a 2009, la banda tributo a Genesis, que ya estuvo en Gouveia Art Rock en 2010

David Myers – piano

Los alemanes Tangerine Dream que después de la muerte de Froese en 2015, ahora consiste en Thorsten Quaeschning (desde 2005) como director musical, Hoshiko Yamane (desde 2011) y Paul Frick (desde 2020).

Los alemanes Markus Reuter Trio, liderado por el guitarrista y compositor alemán Markus Reuter (Stick Men, tu-Ner, Devin Townsend), junto al bajista Fabio Trentini (Moonbound, Le Orme) y el batería Asaf Sirkis (Soft Machine, Tim Garland, Gilad Atzmon). 025)

Markus Reuter - guitarra touch 

Fabio Trentini - bajo 

Asaf Sirkis - batería

El inglés Peter Hammill, como solista o en la banda que formó, Van der Graaf Generator, ha sido un cantante, compositor y músico durante los últimos cincuenta y siete años.

Ha sido una figura influyente para otros artistas en muchos campos diferentes y ha explorado muchos estilos musicales diferentes a lo largo de una carrera

Peter Hammill - voz, piano, guitarra

Los portugueses CAR12. 

Andre Cardoso - Instrumentos inventados

Miguel Cardoso – Instrumentos inventados

Los franceses Le Grand Sbam. 

Léo Margue – director 

Caroline Sentis, Agnès Potier, Louise Perret, Jessica Martin Maresco, Olivier Germain Noureux, Ismaël Colombani, Thomas Arnera – voz

Lucie Leker, Fany Fresard – violín

Dorothée Royez - alto  / viola

Jade Lapchin – cello 

Emilie Martin – contrabajo

Clélia Bobichon – clarinete

Pierre Horckmans – clariente bajo

Pierre Glorieux – fagot

Nathalie Cornevin – harpa

Mihaï Trestian – címbalo

Romain Baret, Matthieu Lemennicier – guitarra elétrica

Antoine Arnera – teclados

Guilhem Meier – batería y percusión

Benoit Lecomte – eletrónica

El noruego Arve Henrikssen, trompeta, voz y electrónica con músicos invitados

La venta de entradas para la edición de 2026 comenzará el próximo 13 de febrero a las 14:00 horas. Las entradas se pueden adquirir en la taquilla del Teatro Cine de Gouveia, accediendo al portal de la taquilla. (https://teatrocinegouveia.sincelo.pt/portal/bilheteira.php)

 El precio de cada entrada para los tres días del festival (doce conciertos en total) será de 130 euros. En cuanto al paquete Amigo del GAR (que incluye la entrada de tres días en un lugar central, el programa y el póster), el precio será de 140 euros.

La programación que se detalla a continuación se refiere únicamente a los conciertos/recitales que tendrán lugar en el Teatro Cine de Gouveia.

1 de mayo: Car12 (Portugal); David Myers (Canadá), Bipolar Bows (Bélgica, Francia); Le Grand Sbam (Francia).

2 de mayo: Markus Reuter’s Truce (Alemania/Italia); Hedvig Mollstad Weejuns (Noruega); Peter Hammill (Inglaterra); Arve Henriksen + invitados (Noruega, Suecia); Meer (Noruega).

3 de mayo – Dominic Sandersen (Inglaterra); Soft Machine (Inglaterra); Tangerine Dream (Alemania).

La inauguración del festival tendrá lugar la noche del 30 de abril en el Paços do Município. La entrada será gratuita, pero limitada al aforo disponible. La programación para este lugar se anunciará en breve.

Amgala Temple (II)

 

Amgala Temple es el sonido de tres fuerzas musicales combinadas. El resultado es un abrumador choque de espontaneidad y control, improvisación y clarividencia, todo unido en una búsqueda por hacer algo radiante. 

La mezcla de Lars Horntveth, Amund Maarud y Gard Nilssen es un deseo hecho realidad para los fanáticos de la música, ya que cada uno de ellos ha tenido un gran impacto como líderes de bandas, solistas y músicos en una variedad de proyectos, ya sea con Jaga Jazzist, Susanne Sundfør, Todd Terje, Morudes, Bushman's Revenge, a-ha o Gard Nilssen's Acoustic Unity. 

Pero Amgala Temple suenan poco a los antes mencionados. El profundo interés de estos músicos por los sonidos antiguos y nuevos, y su profundo respeto mutuo, fue esencial para crear este espacio en el que pudieran crear más libremente, aventurarse en nuevos paisajes sonoros, dejando que pasase lo que fuera. 

El multi-instrumentalismo de Lars Horntveth: tocar bajo, sintetizadores, etc, las habilidades de guitarra salvaje de Amund Maarud y la impecable batería tocada de forma libre de Gard Nilssen hacen que el sonido sea impresionante. 

Su álbum debut se grabó en la Konserthus de Oslo y en los estudios Amper Tone y se grabó en unos pocos días. Como documento de su sonido natural, las grabaciones permanecen sin control, lo que da como resultado una visión bastante certera de cómo es su sonido al natural. 

Este álbum es el primero de una serie de discos que ofrecerá Amgala Temple a través de Pekula Records, un sello discográfico creado para documentar música de sonido audaz, experimental e imaginativo de dentro y fuera de Noruega aunque después de cinco años seguimos a la espera de nuevos trabajos. 

Este primer disco de los noruegos, Invisible Airships, puede ser comprado y escuchado en su totalidad en su página.

Accordion Tribe (II)

 Accordion Tribe fue un grupo de acordeonistas de renombre mundial que surgió como un proyecto limitado en un principio a finales de los noventa. 

Guy Klucevsek, estadounidense, reunió al tristemente desaparecido Lars Hollmer (Samla Mammas Manna, etc) de Suecia, a la finlandesa Maria Kalaniemi, al austriaco Otto Lechner y al esloveno Bratko Bibic (Begnagrad, Nimal). Todos contribuían al repertorio que rolaba de la música tradicional a la contemporánea europeas. 

Iniciaron su andadura en directo en Bélgica en 1996 y dado el éxito obtenido, siguieron de gira desde Austria a Finlandia grabando las actuaciones que Hollmer recopiló para el que sería el primer trabajo del grupo, homónimo, publicado en 1997. 

En 1998 Klucevsek organizó un cuarteto con Alan Bern, Amy Denio y Pauline Oliveros. Accordion Tribe II tuvo una gira europea de dos semanas con el nombre de Four Accordions of the Apocalypse. 

A finales de mayo de ese año los originales AT se volvieron a unir para actuar en Quebec, en el Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville. Así, AT siguieron actuando en directo y grabando publicando dos discos más: Sea Of Reeds en 2002 y Lunghorn Twist en 2006, ambos grabados en el estudio de Hollmer (Chickenhouse) en Uppsala, Suecia. 

Un documental sobre el grupo fue también publicado en dvd, Music Travels, que ganó el Schweizer Filmpreis (Swiss Film Prize) como mejor documental en 2005. 

En 2008 enfermó Hollmer (y finalmente fallecería) y en la gira que tenían prevista en Alemania y Bélgica fue sustituido por Amy Denio. Tras esta pérdida Klucevsek dijo que AT seguirían, con un vacío en sus corazones por la pérdida de Hollmer pero en 2011 decidió que el grupo finalizase su existencia.

Tusmørke "Balderdom"

" Y al igual que el nuevo y mejor mundo con la resurrección de Balder de Hel solo llega después de Fimbul y Ragnarok, cada álbum pasa por esta fase, en su devenir, de lucha, adversidad y ralentización hasta un movimiento glacial imperceptible. Quizás esto sea más evidente en este álbum que en los anteriores, con múltiples cambios de personal durante el proceso. Sin embargo, el futuro siempre es verde; desde nuestro Fimbul y Ragnarok personales, os traemos el renacimiento de Balder. La noche pertenece al día, cada amanecer es más glorioso que el anterior, en la repetición de la eternidad hasta que los engranajes cambian y un sol diferente brilla en un nuevo horizonte. (Benediktator)"

Este nuevo disco de Tusmørke se lanza el 20 de marzo de 2026 y hace el número 16 en su prolífica carrera que inició en 2012.

Ya se puede encargar en su página y escuchar un tema del disco.

Tusmørke "Balderdom"

Músicos:

Brennesle: batería, percusión y guitarra eléctrica en la intro y el outro de Lidskjalv.

Kusken: batería en la cara A.

Selve Kraften: Hohner Symphonic 30, Pianet T, Fender Rhodes, Spectral Modular Synthesis System, Mellothor y piano vertical Yamaha.

Krizla: flauta, flauta dulce, voz y Moog Minimoog Model D en «Lidskjalv».

Benediktator: bajo, voz, guitarra eléctrica, Mellotron M4000D, Moog Minimoog Model D, Roland SH-2, Roland TR-08, glockenspiel, percusión, Roland RE-201 y palmas.

Oslo Badstukor estaba formado por:

Directora: Judith Utz.

Soprano: Heidi Yvonne Paulsen, Synnøve Pedersen-Nafstad y Hege Langlo.

Contralto: Sara Febra, Hedda Sollerød y Maria Kaada.

Tenor: Lasse Skovdahl, Derek Kiu y Line.

Bajo: Henrik Schirmer, Jørn Jensen, Lars Hallraker y Eva Düllo.

The Ant Band "From Genesis to Reimagination"

 

Tras el álbum tributo a Anthony Phillips «A Light on the Hill», el nuevo álbum de Ant Band, «From Genesis to Reimagination», es más que una simple regrabación completa del álbum debut de Genesis de 1969.

El CD sigue la lista de canciones original de la cinta maestra original de 1968 e incluye 15 canciones y nueve interludios instrumentales, entre ellos los tres outtakes posteriores «Build Me a Mountain», «Image Blown Out» y «Visions of Angels». Termina con una versión especial de seis minutos de «A Place to Call My Own». La duración total es de casi 62 minutos.

El LP viene en vinilo transparente y está estrictamente limitado a 300 copias. Contiene las 13 canciones y ocho interludios en el orden del álbum original (fecha de lanzamiento: 13/03/2026).

El CD y el LP también se pueden pedir juntos como paquete a un precio especial cuando se publique el LP de vinilo

La portada utiliza ilustraciones del artista húngaro-estadounidense de estilo Art Nouveau Willy Pogany, extraídas de su libro «Tannhäuser» (1911) y las notas discográficas son de Anthony Phillips.

Músicos:

Bert Wenndorff: teclados.

Damian Krebs: batería.

Gereon Schoplick: guitarra clásica, waldzither.

Jan-Peer Hartmann: guitarras eléctricas y acústicas, laúd.

Martin Brilla: teclados.

Nina Morgenstern: voz principal y coros, guitarra acústica.

Peter Mustó: teclados.

Robin Morgenstern: voz principal y coros

Roland Manns: batería

Sascha Krieger: guitarras eléctricas y acústicas, teclados, bajo, coros, percusión

Tom Morgenstern: guitarras eléctricas y acústicas, teclados, bajo, cajón, coros, edición, mezcla, masterización

Con:

Christoph Piel: guitarra solista en «Where the Sour Turns to Sweet»

David Dunnington: matraca y coros en «Am I Very Wrong?»

Stefan Störmer: órgano en «Where the Sour Turns to Sweet»

Para escuchar algún tema y comprar el disco:

The Ant Band "From Genesis to Reimagination"

Galasphere 347 "The Syntax Of Things"

 

El segundo álbum de Galasphere 347, The syntax of things, amplía el debut de la banda, incorporando a otros músicos con sus propias habilidades y estilos. Las canciones, más cortas y centradas, siguen permitiendo a la banda dar rienda suelta a su talento. 

Las canciones tratan sobre el anhelo, la nostalgia y la sensación de pérdida que a menudo sentimos en momentos de nuestra vida y las decisiones que tomamos, pero el solo de Björn al final del álbum es estimulante y sugiere la posibilidad de un futuro mejor. Una especie de rock progresivo À la recherche du temps perdu

Se lanza el 27 de febrero de 2026 pero ya se puede encargar en formato digital en su página (y escuchar un tema) y en formato físico en Burning Shed.

Stephen James Bennett en voz, teclados, guitarras, eBow, Gizmotron, lap steel, Moog Taurus y otros instrumentos.

Ketil Vestrum Einarsen en flauta, teclados y programación.

Mattias Olsson en batería y guitarras eléctricas y acústicas exóticas.

Jacob Holm-Lupo en bajo y guitarras staccato (2).

Björn Riis a la guitarra eléctrica (3, 6, 7).

John Jowitt al bajo (3, 5, 6).

Myke Clifford al saxofón (3).

Pete Smith al bajo y pedales de bajo (1, 7).

La cita de Broken Bones es de Casa de muñecas, de Henrik Ibsen.

No se ha utilizado ninguna «inteligencia artificial» en la producción de este disco.

Mike Oldfield "Live in Knebworth 1980"

 Anuncian en el blog sobre Mike Oldfield "Mike Oldfield - Exposed", que la web que publicó el Orchestral de Mike Oldfield va a lanzar el próximo 28 de febrero la actuación del músico inglés en Knebworth en 1980, en formatos vinilo y cd. 

De momento sólo están en preventa las ediciones en vinilo. 

En la página dicen que la cara 4 incluye 24 minutos de la emisión completa de la televisión escocesa grabada en el Gateway Theatre de Edimburgo en 1980, que incluye una actuación en directo muy poco habitual de «Sheba». Esta canción de QE2 cuenta con Maggie Riley como vocalista principal.

Nota: este material extra es exclusivo de la edición en vinilo y no se incluye en la versión en CD.

La actuación de Mike Oldfield en Knebworth el 21 de junio de 1980 marcó un momento significativo en su carrera, ya que fue una de sus pocas actuaciones en directo a gran escala durante ese periodo. El concierto formaba parte de un importante festival al aire libre en el que también participaron otros artistas destacados de la época, como los Beach Boys y Santana. Para Oldfield, conocido por ser algo reservado y sentirse incómodo con las actuaciones en directo, subir al escenario de un recinto tan grande fue especialmente notable. El evento atrajo a decenas de miles de fans a la histórica finca de Hertfordshire, que se había convertido en uno de los principales recintos de conciertos al aire libre de Gran Bretaña a finales de los años 70 y principios de los 80.

La actuación incluyó material del extenso catálogo de Oldfield, con especial énfasis en sus innovadoras composiciones multiinstrumentales. La puesta en escena requirió una importante coordinación técnica, ya que Oldfield era conocido por tocar él mismo numerosos instrumentos durante los conciertos en directo, pasando con fluidez de la guitarra al teclado y a otros instrumentos. La interpretación en directo de su obra exigía tanto virtuosismo musical como una cuidadosa orquestación, ya que muchas de sus grabaciones de estudio incluían extensas sobregrabaciones e instrumentación en capas que debían recrearse en un entorno en directo.

El concierto de Knebworth se produjo en una fase interesante de la carrera de Oldfield, tras el enorme éxito de Tubular Bells y álbumes posteriores como Hergest Ridge, Ommadawn e Incantations. En 1980, se había consolidado como una figura pionera del rock progresivo y la música instrumental, aunque seguía siendo una presencia enigmática que concedía relativamente pocas entrevistas y ofrecía pocos conciertos en directo en comparación con sus contemporáneos. La magnitud de Knebworth representaba tanto una oportunidad como un reto para un artista que prefería el entorno controlado del estudio.

El evento en sí mismo se ha convertido en parte de la historia de Knebworth como sede de conciertos, uniéndose a la lista de actuaciones memorables de los principales grupos de rock de la época. Para los fans de la obra de Oldfield, el concierto supuso una oportunidad única de presenciar sus complejas composiciones interpretadas en directo con todos los valores de producción. Aunque Oldfield seguiría actuando esporádicamente a lo largo de su carrera, su aparición en Knebworth sigue siendo un hito notable que demuestra su voluntad de compartir su innovadora visión musical con grandes audiencias, a pesar de su bien documentada incomodidad con el protagonismo.

Temas:

1 Guilty 5:44 2 Tubular Bells, Parte 1 28:53 3 Tubular Bells, Parte 2 8:39 4 Ommadawn, Parte 1 17:16

Formación.

Bajo: Hansford Rowe. Batería y percusión: Mike Frye, Pierre Moerlen. Batería, percusión y vibráfono: Benoit Moerlen. Flauta y saxofón: Bimbo Acock. Guitarra: Nico Ramsden. Guitarra y voz: Mike Oldfield. Teclados: Peter Lemer, Tim Cross. Voz: Maggie Reilly, Wendy Roberts.

Estos son los enlaces para la edición en vinilo azul, vinilo negro y la prueba de prensado. 

El caso es que una vez más nos quedamos con las ganas de tener una edición completa del concierto que, según algunas fuentes, tenía un listado mucho mayor por lo que lo más probable es que esta edición tenga el audio del vhs y del dvd (pirata)

Platinum, Part 1

Platinum, Part 2

Platinum, Part 3

Platinum, Part 4

I Got Rhythm

Punkadiddle

Incantations (Part 1)

Incantations (Part 2)

Incantations (Part 3)

Incantations (Part 4)

Tubular Bells, Part One

Tubular Bells, Part Two

Guilty

Ommadawn, Part One

Blue Peter

Portsmouth

Polka

Radetzky Marsch

Blaydon Races